La manera más sencilla de ganar dinero con tu creatividad

Seguramente sabes que hoy en día, ser emprendedor es una gran idea y  las facilidades son muchas para ello, pero es probable que no sepas muy bien cómo comenzar y ciertas cuestiones te desanimen, como tener que hacer una fuerte inversión inicial. En Printome queremos compartirte la forma más fácil, segura y divertida para generar tus propios ingresos aprovechando dos cosas que ya tienes a la mano: tu ingenio y nuestra plataforma.

Actualmente, la mayoría de las personas busca generar ingresos pasivos y aunque existen diversas formas de lograrlo, emplear la tecnología para este propósito se ha convertido en la más popular. Los ingresos pasivos (también conocidos como passive income) son aquellos que se generan sin depender de tu presencia física o actuación directa, básicamente es poner en marcha una cierta acción y planearla de tal manera que se reproduzca automáticamente y listo, los beneficios comenzarán a darse. Buscar este tipo de ingresos, es una de las mejores opciones y una de las más atractivas, especialmente si quieres un ingreso extra con el mínimo esfuerzo.

La principal diferencia entre este tipo de ingreso y el activo es que en este último caso, tu tiempo equivale a dinero, es decir, mientras trabajes tendrás  ingresos, pero en el momento en el que dejes de hacerlo, por ejemplo, alguna enfermedad o si sales de vacaciones, dejarás de recibirlo. Esto es lo más común en un trabajo normal asalariado y en un negocio tradicional. Piensa en algo como poner una tienda y  cierras un día a la semana para descansar, entonces ese día no tendrás ningún ingreso.

Otro ejemplo de este tipo demostrando ser muy efectivo, es la venta de playeras por internet, aunque si lo llevas a cabo de manera tradicional tendrás varias desventajas y probablemente en poco tiempo se convierta en un ingreso activo, en el que si no estás al pendiente, tu negocio podría fracasar. Desventajas como invertir en materiales y herramientas, pagar por publicidad local o web, hacerte de un stock para empezar a vender y recibir utilidades hasta haber cubierto  tu inversión inicial; y lo peor, tener que lidiar con proveedores y resolver la parte de logística y entregas.

Actualmente, distintas plataformas digitales les ofrecen a sus usuarios eliminar todos estos impedimentos, utilizando la tecnología a su favor, y una de esas somos nosotros, quienes te  proponemos sumarte a nuestra plataforma olvidarte de las altas inversiones y de todos los inconvenientes que podrían surgir en el camino y te dediques simplemente a generar ingresos.

Printome fue creado pensando en los usuarios actuales, aquellos que quieren tener todo al alcance de un clic y no sólo buscan comprar playeras con diseños innovadores y divertidos, sino también quieren tener la libertad de diseñarlas. Al entender estos dos elementos fundamentales podemos ofrecer un servicio eficiente y focalizado, es decir, si te unes a nosotros, tu producto siempre llegará al público de forma sencilla.

Hemos ideado la forma más simple de realizar cualquier actividad en nuestra plataforma ya sea que diseñes, compres o vendas; en Printome contamos con un sistema prácticamente intuitivo evitando  invertir tiempo en capacitarte o pasar horas descifrando para qué sirve cada una de nuestras herramientas y lo mejor, tus consumidores tampoco tendrán que pasar por diversas etapas o una navegación complicada para adquirir la playera diseñada por ti.

Para comenzar a vender con nuestra plataforma simplemente debes crear un diseño y nosotros nos encargamos de imprimirlos en playeras de algodón orgánico y hacérselas llegar a tus compradores.

Probablemente a estas alturas pienses que vender playeras en nuestra plataforma es una excelente idea, pero hay algo haciéndote dudar  aún “¿Y si no funciona?” “¿Estaré diseñando muchísimas playeras?” “¿Cómo puedo asegurarme de obtener ganancias?” … Todas estas dudas son comprensibles, pero no somos los únicos  implementado este modelo de negocio, existen varias plataformas, como Amazon, RedBubble, La Tostadora, society6, entre otras, y muchas personas agregadas a este modelo para generar ingresos pasivos diseñando playeras, podemos decirte sin lugar a dudas que funciona.

Uno de los casos para mostrarte es el de Glen Zubia, quien ha ganado mucho dinero vendiendo playeras en una plataforma digital sin necesidad de tener un inventario, ni dar inversión inicial. Lo logró simplemente con disciplina, ingenio y paciencia. Él empleó Amazon como distribuidor e Illustrator como herramienta para diseñar. Zubia se planteó una metodología sencilla que repitió hasta que comenzó a generarle ganancia: los lunes comenzaba la semana buscando frases graciosas en internet; martes y miércoles se dedicaba a diseñar; jueves aseguraba todos sus diseños adaptándolos en el formato correcto; y viernes y sábado subía sus creaciones a Amazon. Esta forma de trabajo le hizo ganar en algún momento cerca de 120 mil dólares y, lo mejor, como él mismo dice, es que no tuvo que lidiar con proveedores o directamente con el cliente, simplemente se dedicó a diseñar y subir sus modelos a internet.

Otro ejemplo es Kelsie Olds, eligió la plataforma digital Teespring para subir sus diseños. Lo mejor de su historia es la constante  producción de  ideas, motivo por el cual subía bastante mercancía a la plataforma al inicio, pero después decidió convertirse en mamá, y su producción se volvió prácticamente nula; sin embargo, con lo que ya había subido antes a Teespring siguió recibiendo ingresos, así que de vez en cuando le llegaba un cheque sin haber hecho absolutamente nada.

Como estos dos casos existen muchísimos; algunos diseñan profesionalmente, otros toman fotografías de sus viajes y las emplean, algunos más dibujan con sus hijos o hacen diseños experimentales. Cada uno tiene estilo propio , su modo de trabajo y  metas distintas; pero todos tienen en común que han generado ingresos sin haber hecho ninguna inversión y dedicando el tiempo deseado. No te preocupes por dinero para invertir, ni tampoco el  tiempo, ¡Este negocio es para ti!.

No es magia, es simplemente un nuevo modelo de negocio enfocado en aprovechar la creatividad y utilizar las herramientas digitales actuales. Anímate a conocer y utilizar Printome. No tienes nada que perder, recuerda, no te pedimos ninguna inversión inicial.

Tradición, misticismo y orgullo: Así es nuestro Día de Muertos

En México vivimos con orgullo nuestras tradiciones, mismas que son únicas en el mundo y sorprenden tanto por su misticismo y alegría. Una de las más importantes es El Día de Muertos,  . nombrado en 2008 “Obra maestra del patrimonio cultural de la humanidad” por la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura).

El Día de Muertos es una celebración que causa curiosidad y sorpresa entre los extranjeros por la forma tan natural en la que los mexicanos festejamos y tratamos con la muerte, para nosotros, la muerte no es motivo de tristeza, ni una representación oscura; simplemente es el paso siguiente cuando la vida ha terminado. Decirles “adiós” a quienes amamos siempre es difícil, por eso preferimos un cálido “hasta luego” y preparamos nuestras historias y memorias durante el año para contárselas a nuestros difuntos en noviembre, cuando vuelven de visita.

Por eso, en Printome  quisimos preparar este artículo, para mostrar que los mexicanos llevamos la magia a donde sea que vayamos y que sin importar si somos del norte, del centro o del sur; festejamos la alegría de darle la bienvenida a las almas de nuestros seres amados.

 

(Fuente: NeoMexicanismo)

 

Un pasado prehispánico

El origen de esta celebración es una fusión entre nuestro pasado prehispánico y las tradiciones traídas por los españoles, por lo que se puede considerar que es mestiza como nosotros. Las diferentes etnias que conformaban a México antes de la conquista, como los aztecas, mayas, zapotecas, purépechas o totonacas, por mencionar a algunas, le rendían culto a la muerte, porque consideraban que existía una dualidad inseparable con la vida, la veneraban y le agradecía por sus frutos, pues sin ella no podía existir lo que habitaba en la tierra.

 

(Fuente: La Bombilla)

 

Los aztecas o mexicas veneraban a Mictecacíhuatl y Mictlantecuhtli, señores del Mictlán (El inframundo), quienes decidían el destino de las almas y las enviaban según la forma en la que morían, al lugar en el que su alma descansaría por la eternidad. Para asegurarse que el alma del difunto lograra llegar a su lugar de reposo, la familia lo ayudaba desde la vida con un ritual en el que se le lloraba y cantaba, se empacaban sus objetos personales más amados o útiles y se preparaba su alimento favorito. Transcurrido este ritual, el alma estaba lista para partir, así que los familiares se despedían y le deseaban suerte en su nuevo camino.

Al igual que los aztecas, los mayas creían que el paso al otro mundo no era sencillo; que era necesario sortear ríos, escaleras muy inclinadas y otros obstáculos, pero una vez ahí se lograba renacer. Para los mayas, en el Xibalbá (visión maya del inframundo) se encontraban las semillas que germinaban en la tierra y daban vida a lo que podemos ver sobre este mundo, así que llegar hasta ahí no causaba temor, pero si había que prepararse bien para el trayecto. El agua es un elemento poderoso para esta cultura, por eso los cenotes son lugares sagrados, pues se creía que a través de ellos los sacerdotes podían acceder al Xibalbá.

 

(Fuente: Cultura Colectiva)

 

Con la llegada de los españoles y el catolicismo, las creencias y tradiciones de los indígenas se modificaron y fusionaron con esta religión. Las diversas visiones indígenas sobre la muerte se unieron a la festividad católica de “Todos los santos y todas las almas” y así nació lo que ahora celebramos como El Día de Muertos.

 

El altar

Aunque existen cientos de detalles distintivos entre los lugares donde celebramos El Día de Muertos, hay varias características que la mayoría comparten: el 1 de noviembre es el Día de todos los santos, donde recordamos sobre todo a los niños y el 2 está reservado como el Día de los fieles difuntos para recordar a los adultos y a aquellos que quizá aún no han entrado al paraíso. También se comparten las visitas al cementerio para adornar las tumbas de nuestros seres queridos, los altares en nuestras casas y por supuesto un poco de pan de muerto.

 

(Fuente: El Universal)

 

El altar es parte fundamental del festejo, es el espacio que le dedicamos a nuestra colega la muerte y a través del cual le damos la bienvenida a las almas de nuestros difuntos para decirles lo mucho que los amamos y recordamos. Aunque cada región del país tiene su propia manera de realizar su ofrenda o altar, por lo general, cuentan con los siguientes elementos básicos:

Papel picado: Este elemento representa la alegría de reunirnos con nuestros difuntos, es el equivalente a la decoración en una fiesta. Normalmente el papel picado es de colores diversos y tiene distintas representaciones de la Muerte.

 

(Fuente: Televisa)

 

Veladoras: Aportan la luz que nuestros difuntos necesitan para encontrar el camino. Además, es símbolo de fe y esperanza para los que nos quedamos en este mundo.

 

(Fuente: Imagen Radio)

 

Niveles: El altar debe tener al menos tres diferentes alturas, que según la visión indígena representan el cielo, la tierra y el inframundo; mientras que para el catolicismo simboliza a la Santísima Trinidad.

 

(Fuente: Gob.mx)

 

Cruz: Al ser una festividad producto del sincretismo religioso entre el catolicismo y las creencias prehispánicas, los altares incluyen símbolos de ambas partes; en este caso la cruz representa a los evangelizadores y aunque esta puede ser de cerámica o barro, lo ideal es hacerla de sal o ceniza.

 

(Fuente: Garza Blanca)

 

Comida: Se acostumbra ofrendar la comida y bebida favorita del difunto, así regresará con gusto a comer y brindar con lo que más disfrutaba en vida.

 

(Fuente: Sipse)

 

Agua: El agua es por excelencia, el elemento que representa la vida y se ofrenda para calmar la sed de los difuntos, después de un largo viaje desde el inframundo.

 

(Fuente: Aventurero)

 

Copal: Esta resina vegetal se utilizaba en los rituales prehispánicos como incienso para limpiar energías y purificar el lugar gracias su fuerte aroma.

 

(Fuente: Elemental)

 

Fotos: Sirven para “invocar” a nuestros difuntos, a través de su imagen llamamos a los que ya no están en este mundo y así ellos saben a dónde regresar.

 

(Fuente: México desconocido)

 

CalaveritasLas más tradicionales son de azúcar, aunque ahora existen de chocolate, amaranto y hasta de tamarindo. Hay versiones que tienen el nombre escrito de la persona que se desea recordar y otras que deben representar a los miembros vivos de la familia.

 

(Fuente: El universal)

Cempasúchil: Esta flor de temporada tiene un color y un aroma muy característicos, según la tradición prehispánica, le ayuda a los muertos a encontrar el camino de vuelta a su hogar. Con sus pétalos se forma un camino que va desde la entrada de la casa hasta el altar.

 

(Fuente: Televisa)

 

Objetos temáticos: Al igual que con los alimentos, se deben colocar objetos que el difunto amaba en vida, como una guitarra, un muñeco o cualquier otro.

 

(Fuente: Mundo Ejecutivo)

 

Diversas expresiones

 

Como mencionábamos anteriormente, hay distintas expresiones de esta misma tradición y eso es gracias a su origen prehispánico. No acabaríamos de hablar sobre los detalles de cada una de las diversas representaciones, pues en México contamos con más de 60 grupos indígenas, sin embargo, nos gustaría mostrarte algunas de las más famosas a lo largo del país:

 

Hanal Pixán (Tradición maya):

Esta celebración de día de muertos se traduce al español como “comida de ánimas” y es típica de la cultura maya. Comienza el 31 de octubre recibiendo a las almas de los niños y recibe el nombre de U hanal palal, el día siguiente, 1 de noviembre se da la bienvenida a las almas de los adultos, conocido como U hanal nucuch uinicoob y finalmente, el 2 de noviembre se realiza una misa en honor a todas las almas que usualmente se lleva a cabo en el cementerio, a este día se le conoce como U hanal pixanoob.

Durante los días del festejo se disfrutan platillos como el mucbipollo, tamales de xpelón, vaporcitos, atole, dulce de papaya y balché, que se comparten entre vivos y muertos en un altar con veladoras y fotografías, el cual se coloca debajo de un árbol en las casas y en las tumbas de los fallecidos.

 

(Fuente: Flickr)

 

Día de muertos en Michoacán (Tradición purépecha)

Probablemente una de las celebraciones más conocidas del Día de Muertos es la que se realiza en Michoacán. Janitzio, Uruapan y Pátzcuaro, muy visitadas durante estas fechas por lo espectacular y solemne de su celebración.

La isla de Janitzio se llena de luz gracias a las miles y miles de velas que se prenden en el cementerio. Desde los botes que llevan al lugar se puede admirar el espectáculo que es aún más sorprendente cuando se llega a tierra y se siente el aroma a cempasúchil de los grandes arcos y arreglos que adornan las tumbas.

Durante los días que dura la festividad, las familias se congregan en el cementerio para limpiar las tumbas, adornarlas y llevar alimentos a sus difuntos. Son las dos noches al año en las que duermen junto a los sepulcros para hacerle compañía a sus amigos y familiares que llegan de regreso al mundo.

 

(Fuente: Michoacán Travel)

 

Xantolo (Tradición Teenek/nahual)

Famosa por su increíble belleza natural y estrecha relación con sus tradiciones, la Huasteca Potosina es una región que se extiende por varios estados de la República Mexicana, como Veracruz, Tamaulipas, San Luis Potosí, Hidalgo, Querétaro y Puebla. Aquí la celebración del Día de Muertos lleva el nombre de Xantolo y se festeja los días 1 y 2 de noviembre, aunque los preparativos comienzan desde el 28 de octubre, cuando se enciende la primera veladora y se elabora el arco de flores con el que se adornará el altar. En los días posteriores, se va agregando diariamente una veladora al altar y otros elementos para acompañarlas como agua, pan y fruta.

El día 1 (Día de todos los santos), se coloca comida dulce para recordar a los niños, mientras que el 2 (Día de los fieles difuntos), hay comida, cerveza y cigarros en memoria de los adultos. En varios lugares de la región, como en Ciudad Valles, municipio de San Luis Potosí, se representa el tránsito de las almas por este mundo, a través de una alegre procesión con máscaras en la que se recorren las calles de la ciudad hasta llegar al panteón o al centro de la ciudad.

 

(Fuente: EsNoticia Veracruz)

 

El Día de Muertos alrededor del mundo

Tal ha sido el impacto de nuestra mágica celebración alrededor del mundo, que se ha convertido en una fuente de inspiración en ámbitos como la moda, el arte, la música y hasta en el cine. Una de estas muestras es la película Coco (2017) que causó revuelo mundial por su belleza visual, musical y su historia que a todos nos sacó una que otra lágrima y su buen apego a la tradición mexicana.

 

Disney Pixar GIF by Walt Disney Records

(Fuente: Giphy)

Para asegurarse de entender el importante significado que los mexicanos le damos a esta festividad; su director Lee Unkrich y todo su equipo, investigaron y visitaron durante tres años diversos pueblos de México. El resultado fue una historia que nos parece familiar, porque la vivimos cada noviembre, en la que destacan elementos importantes tanto del Día de muertos como de la vida cotidiana, la flor de cempasúchil, el xoloitzcuintle, papel picado, los alebrijes, las piñatas, la música e incluso la chancla.

 

sad are you GIF

(Fuente: Giphy)

 

Otra película que mostró al mundo El Día de Muertos, aunque fuera solo por un momento, fue Spectre (2015). Curiosamente para su filmación se necesitaba realizar un desfile donde se mostrara la celebración del Día de Muertos en todo su esplendor, por lo que se reclutaron a miles de mexicanos y se les caracterizó de catrinas para participar en la mítica escena. Tal fue el furor por este desfile, que desde el 2015 se sigue realizando cada año en la Ciudad de México.

 

 

También en la música ha tenido sus apariciones como motivo visual, por ejemplo, en el video Hold me tight or don’t del grupo Fall out boy, se pueden ver escenas de la celebración del Día de Muertos mientras la banda toca.

 

Hold Me Tight Or Don'T GIF by Fall Out Boy

(Fuente: Giphy)

Es indudable la importancia que tiene El Día de Muertos para nosotros porque marca nuestras tradiciones desde un pasado remoto que, aunque es muy lejano, no nos es ajeno. El orgullo que sentimos por nuestros símbolos, colores, comida y rituales se refleja en el amor con el que colocamos cada noviembre nuestros altares y con el que compartimos nuestra tradición con el mundo.

Probablemente esta sea la festividad más importante que tenemos en el país porque representa a la perfección el espíritu mexicano alegre y un poco burlón, pero además toca las fibras más sensibles de nuestro corazón, ya que sabemos que nuestros difuntos en realidad no están muertos, sino que solamente andan de parranda y que se quedan para siempre con nosotros. La muerte no es sino el pretexto para celebrar la vida, así que píntate de Catrina y vístete con la edición de Día de muertos de Printome, que hicimos con toda la ilusión que esta celebración nos causa a los mexicanos.

De cómic a serie de terror: La metamorfosis de Sabrina Spellman

Somos una generación a la que le gusta recordar, pero también vivir cosas nuevas, por eso nos emocionamos muchísimo con el próximo reboot de Netflix Sabrina la bruja adolescente, que en Latinoamérica será conocido como: El mundo oculto de Sabrina y que estará disponible a partir del 26 de octubre. Por lo que aquí te contamos todo lo que debes saber acerca de esta bruja que nos cautivó, sobre todo en los 90´s y que volverá con fuerza renovada, o mejor dicho magia, entre escalofríos y seres sobrenaturales.

 

(Fuente: Instagram)

 

Sabrina Spellman hizo su primer aparición en octubre de 1962 como personaje de cómic en la editorial Archie Comics, la misma responsable del famosísimo pelirrojo Archie Andrews, de quien heredó el humor y la calle Greendale. Al inicio, Sabrina no tenía su propio cómic, sino que era un personaje incidental en Archie’s Mad House (el #22 marcó su inicio) que usaba sus poderes de bruja para seducir chicos; sin embargo, su popularidad fue creciendo hasta el punto en el que el escritor George Gladir y el dibujante Dan DeCarlo, fundadores de Archie Comics, decidieron darle su propio mundo, originalmente llamado Sabrina The Teen-Age Witch (Sabrina, La bruja adolescente).

El primer volumen que protagonizaría esta peculiar bruja, salió en 1971 con una idea muy sencilla aunque un poco distinta a la de su primer propuesta: una adolescente mestiza, mitad bruja, mitad humana, que debe encontrar el balance entre el mundo sobrenatural y las minucias de ser adolescente. En seguida cautivó a una gran audiencia por su carisma y las aventuras, tanto amorosas como mágica, que vivía al intentar ayudar a sus amigos sin que éstos descubrieran que tenía poderes de hechicera. Con cada número, Sabrina se fue convirtiendo en un personaje entrañable y la audiencia fue aprendiendo sobre sus capacidades al mismo tiempo que ella, pues era una bruja principiante, lo que creó un fuerte lazo de complicidad. A este primer número le siguieron ¡212 más! editados en tres momentos distintos: de abril de 1971 a enero de 1983, de mayo de 1997 a diciembre de 1999, y de enero del 2000 a septiembre del 2009.

 

(Fuente: Fotogramas)

 

Desde sus inicios y a lo largo de toda la vida del personaje, uno de los motivos más fuertes de Sabrina para sentirse apegada al mundo humano fue su novio Harvey Kinkle, quien era guapo e inteligente, pero completamente despistado sobre el origen místico de su novia. Esta relación le agregó aún más chispa a la historia de la bruja porque Harvey era una mezcla adorable entre lealtad -ideal para robarle el corazón a cualquiera- y bobería -Harvey podía ser un poco atolondrado-.

Otros personajes queridos nacieron también en el cómic y se mantuvieron incluso cuando la bruja adolescente llegó a la televisión: sus tías Hilda y Zelda, y el brujo convertido en gato como castigo por intentar conquistar el mundo, Salem Saberhagen.

 

Sabrina The Teenage Witch Salem GIF

(Fuente: Giphy)

 

Hilda y Zelda sufrieron varios cambios y adaptaciones a lo largo de su historia. La tía Hilda, fue en sus inicios el prototipo de bruja: un poco malhumorada, utilizaba sus poderes para meter a las personas en aprietos (en especial a Harvey), darles una lección o conseguir lo que deseaba.

También en su aspecto era más cercana a la idea universal que tenemos de estos seres: un poco rechoncha y no muy agraciada. Esto se fue modificando poco a poco en los cómics hasta llegar a una personalidad más traviesa que malévola, de aspecto y vestimenta modernos. También la tía Zelda cambió con el tiempo, aunque en menor medida, pues desde el inicio se planteó como una bruja compasiva y empática, características que conservó siempre, por lo que los cambios se enfocaron más en actualizar su imagen.

 

(Fuente: Teenage Thunder)

 

Sin importar cómo fueran, todos adorábamos a las tías de Sabrina y no las cambiaríamos por nadie, sin embargo, ¿no te asalta la duda sobre el origen de Sabrina?, ¿por qué vive con ellas y no con sus padres? La respuesta es tan peculiar como el personaje mismo: su nacimiento, explicado en el cómic original, se debe a un hechizo que le salió un poco mal a las tías… un poco de Abracadabra y algún ingrediente que no debía ser y ¡Puff! Sabrina fue creada. Aunque esta idea fue bastante original y bien aceptada en su momento, se decidió modificarla, posteriormente, en 1970 cuando se lanzó al aire la primera serie animada televisiva que protagonizaría Sabrina, en donde su origen mestizo se explica por sus padres: su mamá es mortal y su papá, brujo. Es así que desde el inicio, Sabrina ha estado llena de datos curiosos.

Sabrina tuvo varias adaptaciones, tanto en versiones del cómic como en la televisión, pero sin duda alguna una de las que más se nos quedó grabada fue la de Sabrina, la bruja adolescente (1996) protagonizada por Melissa Joan Hart, a quien ya adorábamos desde Clarissa lo explica todo (1991), pero que terminó de cautivarnos con su dulzura, su chispa aventurera y su humor, a veces un tanto negro, que hacía juego perfecto con la ironía de su gato Salem. Más de una quisimos ser ella para chasquear los dedos y cambiar de outfit y seguramente también más de uno quiso ser Harvey.

 

Tv Show 90S GIF

(Fuente: Giphy)

 

Esta versión de Sabrina surgió por idea de Paula Hart, mamá de Melissa, quien se fascinó con la historia de la bruja mestiza y convenció a varios productores de realizar, primero, una película en la que, curiosamente, Sabrina no se apellidaba Spellman, sino Sawyer, para después consolidar una serie de televisión, con su hija como protagonista, por supuesto. Una de las razones por las que la serie se volvió tan famosa fue porque era televisada por la cadena ABC y posteriormente, por The WB y el canal Nickelodeon.

Al elenco de esta serie de 1996 se sumaron Caroline Rhea, como la tía Hildegarde Antoinette Spellman, mejor conocida como Hilda; Beth Broderick, como la tía Zelda Spellman; Nate Richert, como Harvey Kinkle (quien, por cierto, abandonó la actuación después de su salida de la serie); y Nick Bakay , como Salem o, mejor dicho, como la voz de Salem (para su versión en español la voz fue del actor mexicano de doblaje Pablo Gorozpe). A lo largo de las siete temporadas muchos personajes entraron y salieron de la serie, pero hay dos en especial que se suman a la lista de datos curiosos: Amanda Wiccan, la prima de Sabrina en la serie, era interpretada por Emily Hart (https://www.instagram.com/emziculz/?hl=es-la), su hermana en la vida real; y Drell, el poderoso brujo que encabeza el Consejo de Brujas al que visita varias veces Sabrina en el Otro Reino, es en la vida real el mago Penn Fraser Jillette.  

 

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(Fuente: Giphy)

 

Aunque la mayoría de los detalles originales planteados en el cómic Sabrina The Teen-Age Witch (1970) se conservaron, como los personajes, los nombres y los lugares, hubo uno que cambió radicalmente la historia: Sabrina pasó de ser un personaje algo oscuro dentro de un mundo de ocultismo y una mujer seductora, a ser un personaje de sitcom, o comedia de situación, que se centraba en las peripecias de ser adolescente y bruja, apto para todo el público. Este refrescante cambio fue bien aceptado por el público y llevó a la serie a alcanzar fama mundial, tanto que tuvo como invitados a varios artistas reconocidos de la década, quienes compartieron momentos inigualables con Sabrina, como cuando apareció Britney Spears, para festejar su cumpleaños y darle consejo a la inexperta bruja; o cuando descubrimos que gracias a un hechizo de Sabrina los Brackstreet Boys  adquirieron su talento.

 

Britney Spears 90S GIF

(Fuente: Giphy)

 

La serie propició que Melissa Joan Hart y Britney Spears se volvieran muy amigas en la vida real y que colaboraran juntas en otro momento: Melissa aparece en el video You drive me crazy (1999) de la cantante, y la canción es parte de la banda sonora en la película homónima que protagonizó la actriz al lado de Adrian Grenier.  El éxito de la serie fue innegable, incluso ahora nos seguimos divirtiendo al revivir varios de los momentos más memorables, uno de nuestros favoritos es cuando Sabrina y Harvey intentan, durante todo el capítulo, estudiar para su examen de biología y tienen que definir qué es la mitosis,   pero entre distracciones, enredos amorosos y Salem siendo Salem, nunca logran hacerlo. Aún ahora nos queda la duda: mitosis es…

Otro de nuestros consentidos es cuando Sabrina besa, por fin, a Harvey, éste se convierte en rana y Sabrina tiene que pasar la prueba de “amor verdadero” o ella también podría convertirse en anfibio. Este tipo de detalles que combinaban amor, humor y magia fueron los que propiciaron que la serie fuera tan popular.

Y por supuesto, nunca olvidaremos el emocionante final de la serie en el que Sabrina está a punto de casarse con Aaron, pero se da cuenta que no es su alma gemela y decide echarse para atrás en plena ceremonia. Al salir de la iglesia se encuentra con Harvey, su verdadero amor y se van juntos en su motocicleta exactamente a las 12:36, la misma hora en la que se conocieron.

 

(Fuente: YouTube)

La serie televisiva duró siete temporadas, fue transmitida hasta abril de 2003 y aunque tuvo que terminar, nunca olvidaremos las ocurrencias y el humor de esta Sabrina. Tampoco sus películas: Sabrina viaja a Roma (1998) y Sabrina en Australia (1999).

Quince años han pasado desde el final de la serie, así que seguramente tú, como nosotros, te estarás preguntando ¿por qué Netflix quiere hacer ahora el reboot? Todo comenzó como un rumor…

En septiembre del año pasado se anunció, sin dar ningún detalle preciso, que habría un spin-off de la serie de Sabrina y que iría en el mismo tono que Riverdale, spin-off del popular cómic Archie. De inmediato llamó la atención de todos los que fuimos fan de la serie de los 90´s, pero nada se confirmaba. A cuentagotas fue cayendo la información y lo primero que descubrimos fue que sería producida por Netflix que aseguró que habrá dos temporadas de 10 episodios cada una (al menos para comenzar), y que sería Roberto Aguirre-Sacasa, creador del cómic The chilling adventures of Sabrina  publicado en 2014, el director creativo. Pero volvamos un poco en el tiempo para explicar algunas cosas.

 

(Fuente: Netflix)

 

 The chilling adventures of Sabrina (2014) relata una historia muy distinta a la que conocíamos en la serie protagonizada por Melissa Joan Hart. En este cómic alterno situado en los años sesenta, Sabrina vive con sus dos tías, Hilda y Zelda, y con su primo Ambrose. Cuando cumple 16 años se enfrenta a la elección de convertirse en bruja o ser una simple mortal, la decisión es tajante y permanente. Al mismo tiempo, una antigua enemiga de la familia Spellman, Madam Satán, regresa de la muerte para cobrar venganza y llevar a Sabrina al Camino de la Noche. Este Spin-off surgió después del que hicieron para Archie, llamado Afterlife with Archie (2013), ambos editados en Archie Horror. A pesar de que ambos cómics se sitúan en el mismo universo, son independientes entre sí, tal y como ocurrirá con las series en Netflix.

 

(Fuente: Archie Comics)

 

Debido a que el cómic y la serie televisiva difieren mucho en temática, esta nueva versión oscura y un poco perturbadora fue bien aceptada como algo nuevo. Además, hay que sumarle la increíble renovación de la imagen de Sabrina, que estuvo a cargo del artista Robert Hack, ilustrador de esta versión.

 

(Fuente: Archie Comics)

 

Con este nuevo enfoque y el éxito de Riverdale en Netflix como precedente, fue que se decidió hacer el reboot de Sabrina  que se estrenará justo en Halloween y conservará el título original del cómic del 2014. Como era de esperarse, los rumores crecían a cada segundo cuando aún nada se había confirmado sobre la serie. Uno de los más fuertes fue que entre las propuestas para interpretar a Sabrina estaba la cantante Selena Gómez aunque al final, Netflix y Aguirre-Sacasa se decidieron por  Kiernan Shipka, mejor conocida por su papel como Sally Draper en Mad Men. 

Sabrina Spellman Caos GIF by Chilling Adventures of Sabrina

(Fuente: Giphy)

 

A pesar de que la historia no será nada como la sitcom que recordamos e irá más bien en el estilo macabro y oscuro de El Exorcista (1973 y 2001) y La semilla del diablo (1968), dicho por los propios productores, sí podemos esperar ver a varios de los personajes que ya conocemos, como la tía Zelda, interpretada por Miranda Otto, la tía Hilda, llevada a la vida por Lucy Davis, Harvey Kinkle, esta vez interpretado por Ross Lynch y, por supuesto, ¡Salem! Aunque aún existen detalles sin resolver sobre el brujo que sigue cumpliendo su condena de 100 años como gato, Aguirre-Sacasa hizo el anuncio en su twitter de que este personaje se mantendría en la nueva serie.

La decisión no fue fácil ya que la actriz Kiernan Shipka es alérgica a los gatos. Y este hecho había llevado a considerar un cambio en Salem, a quien incluso se propuso convertir en perro. Al final parece que, aunque no será tan parlanchín y ocurrente como en los 90s, Salem logró colarse en la serie para seguir como fiel consejero de la bruja.

 

(Fuente: Twitter)

 

De cómic a serie animada, la serie televisiva con actores reales, a cómic nuevamente, a serie en Netflix, el camino que ha recorrido Sabrina ha sido largo y metamórfico, pero no nos cansamos de ella, por el contrario, esperamos con ansias esta nueva serie que promete quitarnos el sueño y darnos pesadillas.

 

(Fuente: YouTube)

Sin duda alguna, Sabrina se ha ganado nuestros corazones desde el día uno y nos ha acompañado por un largo trecho. Sin importar que sea seductora, simpática, irónica y hasta un poco terrorífica, es nuestra bruja favorita y ni qué decir de Salem, que nos enseñó que, sí, los gatos quieren apoderarse del mundo, pero pueden ser una gran compañía mientras lo logran. Que regrese a las pantallas significa revivir una época de nuestra vida en la que, por un momento, creímos en la magia. Confiamos en que Kiernan Shipka hará un gran papel como la nueva Sabrina y que pasará a la historia como una de nuestras versiones favoritas.

En Printome la nostalgia se apoderó de nosotros y creamos unos diseños inspirados en nuestra bruja favorita y su sarcástico amigo peludo, mismos que puedes adquirir en nuestra tienda virtual. En caso de que nuestras propuestas no sean lo que estabas buscando y desees un diseño mucho más específico o personal,  personaliza tus propias playeras o aprovecha nuestros servicios de diseño  y solicitarnos ayuda para adaptar alguno que sea de tu agrado.

 

Es de mexicanos conocer y recordar lo mejor de nuestra cultura popular

Hay muchas cosas que nos definen como mexicanos, algunas más conocidas mundialmente, como nuestra afición a ponerle chile a todo (aunque moqueemos) y algunas más de casa, como saber que si encuentras un bote de helado en el refri de tu mamá, lo más seguro es que sean frijoles. Lo cierto es que, más allá de esta picardía que nos caracteriza, somos un país con mucha cultura, un mosaico formado por tradiciones ancestrales que siguen vivas, por textiles que cuentan historias, artesanías hechas con el saber que pasa de una generación a otra; tenemos 68 lenguas indígenas, platillos que superan cualquier comida gourmet, artistas de fama mundial que han destacado en distintas épocas y personajes que han cambiado hasta el español.

Así que es de mexicanos sentirse orgulloso en el mes patrio y por eso, para celebrar todo lo que nos hace únicos, quisimos hacer un recorrido por distintas etapas para recordar y revivir las historias de las figuras más emblemáticas de la cultura popular mexicana. Desde la época del cine de oro, con Pedro Infante, Jorge Negrete y María Félix, pasando por la lucha libre con El Santo, hasta el arte con Frida Kahlo, tenemos muchas razones para festejar y queremos compartirlas todas contigo.

 

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  (Fuente: Giphy)

 

Comenzamos con la época del cine de oro mexicano, el cual alcanzó éxito a nivel internacional entre 1936 y 1956, aunque la ventana de su oportunidad naciera lamentablemente durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Estados Unidos y varios países europeos tuvieron que dejar de lado la producción cinematográfica para acudir o ayudar en el conflicto.

El parteaguas y la primera gran producción de esta época fue de Fernando de Fuentes Allá en el rancho grande (1936), misma que tuvo un enorme éxito en toda Latinoamérica e incluso en Estados Unidos,  con la que se le atribuye haber inventado el género cinematográfico de la comedia ranchera. El veracruzano también participó en otras producciones importantes de la época como El compadre Mendoza (1933), ¡Vámonos con Pancho Villa! (1936), en la que participó en el guión el poeta Xavier Villaurrutia, y Doña Bárbara (1943).

 

(Fuente: El Horizonte)

 

Por supuesto, es imposible hablar de esta época dorada sin mencionar a Pedro Infante porque si bien de Fuentes fue el creador del género, Pedro Infante es el charro por excelencia. Aunque por lo regular sus papeles eran parte del estereotipo de macho mujeriego y borracho, él era todo lo contrario, de hecho, debido a su diabetes, evitaba el alcohol y únicamente bebía una copa de coñac de vez en cuando. También interpretó personajes de carpintero, migrante, indígena y hasta policía, cada uno de ellos reflejaban sin duda los diferentes matices de un mismo México.

 

Pedro Infante No GIF

  (Fuente: Giphy)

 

Pedro Infante fue un actor versátil que acuñó diversas frases gracias a su singular estilo de hablar cantando y logró escenas icónicas que se volvieron parte de la cultura popular mexicana. Un ejemplo de esto es la película A toda Máquina (1951) en la que nuestro querido actor aparece como policía al lado de Luis Aguilar en un lío de faldas. De esta película recordamos las audaces acrobacias sobre motocicleta y la forma en la que Pedro Infante nos enseñó a decir, con ritmo, que está por caer una tromba: Parece que va a llover, el cielo se está nublando. Parece que va a llover, ¡ay, mamá, me estoy mojando!” .Tanto Pedro Infante como Luis Aguilar aprendieron y realizaron los peligrosos malabares que se muestran en la película, ya que ambos actuaban como policías del Escuadrón Acrobático de Tránsito de México y en la época no era común que se utilizaran dobles para las escenas peligrosas.

Otra de las películas que sin duda alguna se salió de la pantalla para colarse en nuestra vida diaria es Ustedes los ricos (1948), segunda película de una trilogía en la que encarna a Pepe el Toro. La trágica historia que vive el protagonista al estar en la cárcel y afrontar la muerte de su hijo, el Torito, se convirtieron en un ícono del sufrimiento, que, como buenos mexicanos, convertimos en motivo pícaro para hablar de nuestras tragedias diarias… como que se nos acabe la quincena muy rápido o le pongan piña a la pizza.

 

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(Fuente: Giphy)

 

Sin las películas de Pedro Infante tampoco nos sería tan fácil salirnos con la nuestra con tanto carisma como lo hizo el maravilloso personaje de la Tucita, en Los tres huastecos (1948) quien, por cierto, dicen que fue la única mujer que pudo domar a Pedro Infante.

Durante su carrera, filmó más de 60 películas, grabó más de 310 canciones y obtuvo, entre otros reconocimientos, un Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín y un Globo de Oro. También compartió al lado de otros grandes actores de la época, como María Félix, Jorge Negrete, Blanca Estela Pavón, Sara García, Luis Aguilar, Fernando Soler, Sara Montiel y Evita Muñoz. Fue, además, un piloto aficionado y aunque tuvo dos accidentes previos a aquel que le quitó la vida el 15 de abril de 1957 nunca abandonó su pasión. A pesar de que nuestro “amorcito corazón” nos dejó muy pronto, el recuerdo de un ser humano dedicado y que amaba todo lo que hacía se quedó para siempre con nosotros.

En esta misma época surgió otro gran actor, cantante y galán, que nos enseñó que si te dicen el mil amores, es nada más pa’exagerar.

¿Ya supiste quién es? Al guanajuatense Jorge Negrete lo recordamos no sólo por sus actuaciones, sino por su legado. Gracias a él se fundó el Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana (STPC) y la Asociación Nacional de Actores (ANDA). Comenzó su carrera como cantante después de graduarse como teniente de caballería en el Ejército Mexicano, de ahí que fuera tan bueno para montar y tuviera ese porte que nos encanta. ¿Sabías que entre sus múltiples talentos se encontraba hablar inglés, alemán, francés, italiano y hasta un poco de náhuatl? Era lo que llamamos ¡un mexicano fregón!

 

(Fuente: Tradición tapatía)

 

La astucia de hombre guapo, que siempre le cantó a su México lindo y querido, fue lo que lo llevó al cine, pero comenzó su carrera en la radio, en un programa de la XEW. A pesar de su gran talento, en sus inicios, cuando probó suerte en Estado Unidos, tuvo que trabajar como mesero en un restaurante para latinos, aunque eso nunca lo hizo perder el ánimo ni su objetivo. Su peculiar personalidad, su traje siempre impecable, su voz inconfundible y su sonrisa de pillo lo ayudaron a consolidarse como el Charro Cantor. Su fama fue tal que se convirtió en el antagonista de Pedro Infante en la película Dos tipo de cuidado (1953) y su supuesto conflicto trascendió las pantallas, aunque en la realidad eran muy buenos amigos.

 

(Fuente: Más México)

 

Negrete fue un mexicano de esos que no se rinden, que sonríen hasta en la adversidad y que le dicen al mundo cantando:“Yo soy mexicano, de naiden me fío, y como Cuauhtémoc cuando estoy sufriendo, mejor que rajarme, me aguanto y me río

Nuestro Charro Cantor estuvo casado con una de las mujeres consentidas de la época, nosotros la admiramos porque tenía una voluntad de hierro, una inteligencia de mujer audaz y una belleza que podía matar con una sola mirada: María Félix. El peñón de las ánimas (1943) , fue la primera película en la que apareció La Doña, misma donde coincidió con Jorge Negrete. Cuentan que en una ocasión el Charro se impacientó por el tiempo que ella tardaba en arreglarse en el set y amenazó con irse si no demoraba menos, a lo que ella contestó mientras arrojaba su trenza postiza: “Puede irse, señor Negrete”. Y es que, como bien sabemos, nadie puede apurar la belleza mexicana.

 

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  (Fuente: Giphy)

 

La Doña nació en Sinaloa, pero fue hasta que se mudó a la Ciudad de México que comenzó su carrera como actriz por invitación del Ingeniero Fernando Palacios. Filmó 47 películas en México, España, Argentina, Francia e Italia, la mayoría de gran éxito y con un reparto de lujo. Su belleza fue lo que la llevó al cine, pero sin duda alguna su éxito y fama se debieron a su inteligencia, disciplina y trabajo constante, porque como ella siempre decía: “no es suficiente ser bonita, hay que saber serlo”.

 

(Fuente: De10)

 

Todos admiramos su trayectoria, fortaleza y sus ideas firmes, con las que se negaba a interpretar el típico rol de género de esa época. Ella siempre creyó en la igualdad entre hombres y mujeres, por eso aunque reclamaba los derechos para la mujer, también exigía que se portaran a la altura: creía en mujeres más preparadas, más responsables, que se interesaran en temas políticos y sociales. Incluso propuso en alguna ocasión que una mujer ocupara el cargo presidencial, por lo que sin duda alguna estaba muy adelantada a su época y sentía el Girl Power a todo lo que daba.

Si hay algo que amamos de ella, es el habernos enseñado que primero está el amor propio, luego todo lo demás y que una mujer mexicana puede poner de cabeza a cualquier hombre. Dentro de su círculo de amigos se encontraban varios actores y artistas reconocidos de la época, entre los que destaca la talentosa Frida Kahlo.

 

Frida Kahlo Art GIF

  (Fuente: Giphy)

 

Esta super mexicana le mostró al mundo lo mejor de México, su cultura, colores, misticismo, naturaleza y encanto, pero también la fortaleza de un espíritu inquebrantable ante una vida que no fue fácil. Nosotros la recordamos no sólo por su excelente talento para manejar el pincel y plasmar el surrealismo mexicano, sino por su fortaleza como persona.

Nació en Coyoacán el 6 de julio de 1907, heredó de su padre el talento y el ojo de artista a través de las fotografías que él tomaba. A pesar de los diversos momentos de sufrimiento que experimentó a lo largo de su vida, siempre se lo tomó con buen ánimo y celebraba el poder expresarse. Es una inspiración para enfrentar lo peor con buen semblante y convertirlo en arte, como hacemos cuando nos reímos de nosotros mismos o invitamos cada noviembre a la Muerte, colorida y alegre a festejar con nosotros la vida. Su ejemplo es tan admirable y su mensaje tan poderoso que por años ha sido un ícono del valor, el arte y hasta la moda. Incluso en recientes años, su fama sigue siendo abrumadora: la banda Coldplay nombró a su disco Viva la vida en honor a una de las pinturas de la artista.

 

Frida Kahlo Art GIF

  (Fuente: Giphy)

 

Sentía mucha pasión por el arte, probablemente porque en él encontraba la forma de expresar su dolor, así que su obra fue vasta y se caracterizaba por ser una forma de autorretrato. Su talento y la franqueza con la que pintaba conquistaron a varios artistas del medio, entre ellos a Diego Rivera, con quien compartió aprendizaje, arte y amor. El muralista era ya una celebridad para cuando conoció a Frida, pero sin duda la artista influyó en sus obras, incluso elaboró una de las más importantes un año después de la muerte de la mexicana el 13 de julio de 1954: Historia del teatro en México, un mural que adorna la entrada del Teatro Insurgentes , en la Ciudad de México. Rivera plasmó en este famoso mural a varios personajes de la historia mexicana, entre ellos a Mario Moreno Reyes, mejor conocido como Cantinflas, así es, chato. En la obra se ve al personaje tomando con una mano dinero de los poderosos y con la otra, dándole a los necesitados. El muralista decidió plasmarlo así porque era la realidad del actor, un persona que nos enseñó humildad a través de la grandeza de su éxito.

Cantinflas es probablemente el comediante mexicano más querido de todos los tiempos. Con un ingenio incomparable para manejar las palabras, su sonido y significado, nos regaló frases inmortales como “No sospecho de nadie, pero desconfío de todos” o “Hay momentos en la vida que son verdaderamente momentáneos”. Su comedia es simplemente una filosofía de vida, es el espíritu mismo del mexicano pícaro, coqueto, que es a veces irreverente con las figuras de autoridad. A través del humor trató temas de política y desigualdad social, siempre del lado de los menos afortunados.

 

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  (Fuente: Giphy)
Su peculiar forma de hablar y de jugar con las palabras, para hacer una crítica con humor, fueron tan relevantes que en 1992 la Real Academia Española (RAE) incluyó en el diccionario el verbo cantinflear, así como las palabras Cantinflas y cantinflada y los adjetivos cantinflescocantinflero y acantinflado y el sustantivo cantinfleo.

Mario Moreno representó con su personaje Cantinflas  al mexicano alegre y optimista, que es sincero y dice la verdad aunque, con eso, se salte las convenciones sociales. Como persona, dedicó su vida a ayudar a los menos afortunados a través de diversas beneficencias, porque como él mismo decía “La primera obligación de todo ser humano es ser feliz, la segunda es hacer feliz a los demás”. Su actuación fue congruente con su vida, ¡por eso lo queremos tanto!

Cantinflas es parte del folklore mexicano porque supo mostrar las cualidades de un pueblo que es humilde, trabajador y que habla de una forma tan particular que sólo su valedor le entiende.

 

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  (Fuente: Giphy)

 

Otro personaje que sin duda forma parte de este folklore de nuestro país y que aportó muchísimo a la concepción de héroe mexicano fue El Santo. Este ícono de la justicia luchaba sin poderes extraordinarios, pero, eso sí, con mucho valor, mucha garra, sin rendirse. Inició su carrera en la lucha libre en 1942 junto con otros grandes del ring como Blue Demon. Su fama comenzó con los cómics que editaba José G. Cruz llamados Santo, El Enmascarado de Plata ¡Una aventura atómica!, pero fue hasta 1958 que hizo su primera película, lo que le dio un éxito sin precedente en la lucha libre mexicana, tanto que llegó a grabar 52 películas más. El Santo es ese cruce entre lo real y el mundo fantástico en el que vivimos los mexicanos, por eso no nos extraña que luchara y saliera ileso (o casi), contra mujeres vampiro, hombres lobo y hasta extraterrestres… ¡Ay, nanita!

 

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  (Fuente: Giphy)

 

Durante los cuarenta años que fue luchador, nunca perdió la máscara, lo que lo llevó a consolidarse, además, como un mito. 

Y así como El Santo, los mexicanos somos luchadores que no se quiebran, es más, nos reímos de las dificultades y hasta de nosotros mismos, lo que sin duda es nuestro súper poder.

El Mexicano Power además de ser ese poder que nos ayuda a escapar con presteza de la chancla voladora, que nos hace cargar con un suéter porque la jefecita lo manda o que nos permite festejar como uno solo cada septiembre aunque no nos pongamos de acuerdo en si las quesadillas llevan o no queso, es, sobre todo, ese poder que nos une en los momentos más difíciles, que nos hace actuar con fuerza para salir adelante juntos, y que nos levanta si nos hemos caído.

¿Y qué puede haber más mexicano que unos tacos, una chela y la suerte de la lotería?

Pero antes de que nos aloquemos… ¿sabes de dónde vienen estos tres?

El taco, emblema del mexicano, se cree que nació con los olmecas, quienes utilizaban el maíz nixtamalizado para crear la deliciosa masa que calentaban en piedra y así dar origen a la tortilla, la cual se creó con el único propósito de usarse como una especie de cuchara, como hasta ahora, para empujar o levantar los alimentos. Dependiendo de la zona, el taco ha ido adquiriendo distintos ingredientes básicos y formándose una identidad regional, como los tacos acorazados, platillo famoso de Morelos, ¿los has probado?

 

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(Fuente: Tenor)

En cuanto a la chela, hay fuentes que afirman que fueron los sumerios quienes comenzaron con el arte de hacer cerveza. A México llegó con la Conquista tras un permiso que otorgó el rey Carlos V en 1542 para producirla en una fábrica en Amecameca, en el hoy Estado de México. Al principio, los españoles no confiaban en que los indígenas guardaran el secreto de su preparación, así que traían a sus compatriotas para trabajar en el producto. Con el tiempo esto fue cambiando y aunque la historia siguió su curso, la cerveza llegó para quedarse. A partir del siglo XX las productoras comenzaron a ser mexicanas y aprendieron este bonito arte de convertir el agua, los granos de cebada, la levadura y el lúpulo en el mejor compañero de nuestro taco.

 

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  (Fuente: Giphy)

 

Es imposible que un mexicano no sepa lo que es la lotería, sin duda identificamos bien a los personajes de las cartas y hasta nos emocionamos con algunos, como: “El Catrín”, “La Sirena”, “La Botella”, “El Borracho”, “La Muerte” y “El Corazón”… ¡Lotería! Este juego de azar llegó también con la Conquista, se creó para la clase alta, pero poco a poco se fue volviendo popular hasta que terminó por ser un distintivo del pueblo. Ha logrado traspasar a otros ámbitos de nuestra vida cotidiana y sus emblemáticas cartas se han convertido en el centro de miles de diseños. Originalmente, la lotería se jugaba con frijoles como fichas y se recitaba una copla para dar pista de quién era el personaje de la carta antes de mencionarlo explícitamente. La lotería es una muestra sencilla de que los mexicanos lo convertimos todo en una rima alegre que nos hace relatar, hasta lo cotidiano, como algo extraordinario.

 

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(Fuente: Giphy)

 

Por esto y más nos gusta ser mexicanos y nos sentimos orgullosos de serlo, porque somos gente alegre que es el alma de la fiesta, trabajadores y no abandonamos nunca nuestros sueños, luchamos contra la adversidad y nos reímos en el camino, hacemos de los manjares nuestra comida diaria, creamos arte que se aprecia a nivel mundial y porque sabemos ser uno cuando nuestro hermano nos necesita. ¡Cómo no nos va a gustar ser mexicanos! Por eso, si tú también amas ser mexicano entra a Printome.mx y encuentra toda nuestra línea creada especialmente para conmemorar nuestro amor por México. Llévate la playera que represente mejor tu espíritu para dar el Grito de #LoHiceConPrintome y siéntete orgulloso de formar parte de esta raza de bronce.

 

Viva Mexico GIF by MiSelecciónMX

(Fuente: Giphy)

Destapando a Coca Cola: la bebida más famosa del mundo

Con más de 130 años de historia, Coca Cola es una de las pocas empresas que ha logrado mantenerse como la favorita de millones de consumidores; tanto que el 94% de la población total del planeta la reconoce e incluso utiliza el término “Coke” en su día a día, lo que lo hace el segundo término más utilizado del mundo, solo después del anglicismo “okay”.

Aunque suene increíble, esto no es de extrañarse, pues es casi imposible que la marca pase desapercibida, ya sea por su color rojo característico, tipografía única, la forma de la botella o incluso, por sus ingeniosas y creativas campañas publicitarias.

Aún con el paso de los años, Coca Cola ha logrado mantener la lealtad de millones de personas, las cuales se han vuelto portavoces de la marca, llevándola consigo a todos lados.

Pero, ¿qué ha hecho esta empresa para posicionarse y ocupar el lugar número uno en el corazón de millones de consumidores?

La historia comienza en mayo de 1886 en Atlanta, Georgia, cuando el Dr. John Perberton decidió crear un jarabe que ayudara a las personas con sus problemas de digestión y que además les aportara energía. Es así que pasó muchas horas mezclando ingredientes hasta finalmente conseguir la fórmula ganadora, hecha a base de hojas de la planta de la coca, la nuez de cola y el agua de soda.

Pemberton trabajaba en la farmacia Jacob’s y fue ahí el primer lugar en el que se comercializó la bebida, a un precio de 5 centavos el vaso; llegando a vender 9 vasos al día.

Al darse cuenta del éxito que podría tener, Perberton le encargó a su amigo y contador, Frank Robinson, idear un nombre y logotipo para la nueva bebida. Robinson se inspiró en los ingredientes de la misma, para que el nombre tuviera las letras “C” mayúscula y llamara la atención del público. Además, extendió las letras “C” para que en cada palabra sobresaliera uno de los extremos y abrazaran a todo el logotipo.

Fue así que creó un logo utilizando la tipografía sofisticada “Spencerian”, misma que estuvo de moda alrededor de los años 1880, por considerarse el estilo de escritura americana estándar para la correspondencia, antes de inventarse la máquina de escribir.

Así nació “Coca-Cola”, una marca registrada desde 1887, con una imagen que se ha mantenido casi intacta por más de 130 años.

Fuente: Coca Cola España

Una vez ideado el logotipo, la nueva marca comenzó a anunciarse en el periódico The Atlanta Journal,  invitando al público a consumir la nueva y refrescante bebida. Se hicieron carteles pintados a mano donde el color predominante era el rojo que todos conocemos, ya que a Frank Robinson le gustó el contraste de este color con el blanco.

Antes de su muerte en agosto de 1888 y sin llegar a conocer el enorme éxito que tendría su bebida, el Dr. John Perberton vendió Coca Cola a diferentes personas, entre ellas al señor Asa G. Candler; un hombre de negocios reconocido en Atlanta que posteriormente compraría los derechos adicionales, hasta adquirir la totalidad de la compañía, asociándose con su hermano John y con Frank Robinson, ex socio de Perberton. Fue así que nació formalmente “The Coca-Cola Company” , con un capital inicial de 100 mil dólares.

 Asa Candler fue un punto clave para la empresa, pues creía firmemente en el poder de la publicidad. Por lo mismo, expandió los esfuerzos de promoción a través de cupones donde regalaba la bebida a las personas, para crear conciencia de la marca y conquistar al consumidor.

Coca Cola fue la pionera en estampar su logotipo en artículos no relacionados con el producto, como calendarios, relojes, juegos de mesa, carteles para establecimientos y demás souvenirs; estrategia que hoy en día es conocida como merchandising. 

Fuente: The Coca Cola Company

Además, Candler desarrolló las primeras campañas de publicidad donde aparecían algunas celebridades de la época como Hilda Clark (1900) y el personaje de Santa Claus (1940) ilustrado por Haddon Sundblom.

Sin embargo, en 1971 nació una idea de campaña con una esencia diferente, que más que vender la bebida, buscaba transmitir una emoción.

“I’d like to buy the world a Coke  es el nombre del anuncio en el que se aprecia a varios jóvenes de diferentes nacionalidades y razas  sosteniendo una botella de Coca Cola y cantando sobre una colina, para difundir un mensaje de unidad y multiculturalidad.

El spot publicitario tuvo tanto éxito, que la compañía recibió más de 100 mil cartas positivas de personas alrededor del mundo y la canción sonó con frecuencia en las estaciones de radio; llegando a ser considerado como el mejor anuncio de todos los tiempos.

Esta campaña fue el parteaguas para la línea de comunicación que caracterizaría a la marca, por transmitir mensajes de felicidad, paz y alegría; logrando que Coca Cola se posicionara como el genio de la mercadotecnia.

Prueba de esto, es otro de sus spots más reconocidos, mismo que también se ganó el corazón de millones de espectadores en 2011:Razones para creer”, donde se reforzó el mensaje de optimismo que caracteriza a Coca Cola, inspirando a los consumidores a encontrar razones para creer que es posible vivir en un mundo mejor.

Fuente: Fatima Rivas

Continuando con los mensajes de felicidad, paz y alegría, en Australia en el 2011, la directora de Marketing de Coca Cola, Lucie Austen, tuvo la idea de imprimir los 250 nombres más populares de Australia en diferentes etiquetas, en lugar de su reconocido logotipo y acompañados de la leyenda Share a Coke with  o “Comparte una Coca Cola con”, invitando a sus consumidores a reconocer a alguna persona especial en sus vidas y compartir con ella una refrescante Coca Cola.

La campaña fue tan exitosa que en 2014 y 2015 se replicó en más de 70 países, entre ellos México, utilizando la misma estrategia de incentivar a la compra y compartir su experiencia en las redes sociales.

El mayor acierto de la campaña fue involucrar al consumidor y unirlo a su producto, pues las personas se emocionaban buscando su nombre e incluso si no lo encontraban registrado, pedían su bebida a través de la página web, para personalizar la etiqueta.

Share a Coke” fue sencilla, divertida y versátil y aunque finalizó en 2016, su popularidad y la capacidad de ajustar el mensaje a cualquier medio, le ha permitido a la marca continuar vendiendo con éxito la bebida personalizada en su tienda online, junto con otros artículos, como playeras.

Fuente: Coca Cola store

La compañía no ha dejado de crecer; pasando de vender 9 vasos al día en Atlanta, a ser la bebida más famosa del mundo, con presencia en más de 200 países… ¡Hay una Coca Cola en casi cada rincón del planeta!

Sin importar el paso de los años, esta empresa continúa y continuará siendo la marca número uno de bebidas en todo el mundo; gracias a las estrategias innovadoras que conservan la esencia que la caracterizó desde un principio, logrando que el consumidor se identifique más que con la bebida, con lo que la marca transmite: felicidad, alegría y unión.

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Rosie the Riveter: La historia detrás del ícono

Probablemente en algún momento te hayas topado con esta singular imagen en la que se aprecia una determinada trabajadora industrial, vestida con un overol azul y un pañuelo rojo con lunares que recoge su cabello y que muestra orgullosa sus músculos junto a la leyenda “We can do it!”.

Originalmente creada como propaganda de guerra; Rosie the Riveter  es un personaje que lleva más de 70 años inspirando a las mujeres de todo el mundo, como icono de empoderamiento femenino y estandarte de numerosos movimientos feministas.

Lo que muchos no saben, es que detrás de esta icónica imagen existe una larga historia de lucha y determinación. Actualmente la imagen de “Rosie the Riveter” es un tributo a las millones de mujeres que gracias su extraordinaria valentía lograron salvar la economía de los Estados Unidos, ocupando los puestos de trabajo que los hombres habían dejado para enlistarse en el ejército durante las Segunda Guerra Mundial.

En homenaje a todas estas increíbles mujeres, te compartimos la historia detrás de esta famosa imagen.

Las “Rosies”: Las mujeres que salvaron la economía de los Estados Unidos

(Fuente: Hipertextual)

Con la entrada de los Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial en 1941, tras el sorpresivo ataque de la armada Japonesa a la base naval “Pearl Harbor” en Hawái; millones de hombres se vieron en la necesidad de abandonar sus puestos de trabajo para enlistarse en las fuerzas armadas, obligando al gobierno a tomar medidas extremas y orquestar toda una campaña masiva para enfrentar la escasez de mano de obra y alentar principalmente a las mujeres a ocupar los puestos que previamente estaban estrictamente reservados para los hombres, como producir suministros de guerra, barcos, aviones y armamento.

(Fuente: NY Daily News)

Con la ayuda de distintas agencias publicitarias como J. Walter Thompson, el gobierno consiguió inspirar a más de 6, 000,000 de mujeres para que dejaran atrás sus puestos como amas de casa y contribuyeran a salvar a su país. Esto según datos del Servicio de Parques Nacionales de los Estados Unidos, incrementó exponencialmente el índice demográfico del trabajo de la época, aumentando el porcentaje de mujeres trabajadoras de 27% a un 37%.

Y aunque en un principio existió mucha resistencia en la entrada de las mujeres a la fuerza laboral y tristemente fueron obligadas a ceder sus puestos a los hombres una vez terminada la guerra, regresando así a su antigua labor como amas de casa o en trabajos nada especializados; fueron justamente estos injustos acontecimientos los que abrieron las puertas para que más mujeres empezaran a luchar por sus derechos y lograr un significativo impacto en los posteriores movimientos en pro de los derechos civiles.

(Fuente: Timeline)

El emblemático personaje de Rosie the Riveter fue presentado por primera vez en 1942, con la ayuda de una canción  con el mismo nombre. Compuesta por Redd Evans y John Jacob Loed e interpretada por Kay Kyser; esta pieza cuenta la historia de “Rosie” (apodo con el que solían referirse a las trabajadoras durante la guerra) una joven que apoyaba a su nación trabajando en la línea de ensamblaje de una fábrica de armamento, mientras su novio “Charlie” (un marine) estaba en el frente de batalla.

(Letra de la canción “Rosie the Riveter” [1942], Fuente: The Little Round Table)

Con el éxito de la canción, era necesario otorgarle a “Rosie” un rostro con el que las mujeres pudieran asociarla. Aunque diferentes mujeres llegaron a interpretarla, sin duda la más conocida fue Rosie Will Monroe, una joven que curiosamente trabajaba como remachadora en una fábrica de armamento aeroespacial en Michigan y quien participó en una serie de videos promocionales grabados en la fábrica. La historia de Will Monroe es particularmente digna de adoración, pues no solamente logró inspirar a millones de mujeres para salvar su país, también nos demostró que ni el género, ni la edad son un impedimento para cumplir nuestros sueños, logrando obtener su licencia de piloto a la edad de 50 años.

(Fuente: History)

Históricamente solamente existe registro de un afiche bajo el nombre  “Rosie the Riveter” y no es el popular póster que todos conocemos; el verdadero es una ilustración de Norman Rockwell  que fue publicada en la portada de “The Saturday Evening Post”, durante el Memorial Day (Día de los caídos en guerra) en la primavera de 1943.

(Fuente: Art Fix Daily)

Para la creación de este poster, Rockwell tomó como inspiración la particular postura del profeta Isaías en uno de los frescos de la capilla Sixtina, pintados por Miguel Ángel en 1509. Ahí se puede apreciar a una fuerte trabajadora de la industria de la defensa, degustando un sándwich durante su hora de almuerzo, mientras sostiene sobre sus piernas una enorme pistola de remaches, una lonchera con el nombre de “Rosie” y reposa sus pies sobre un ejemplar de el Mein Kampf (Manifiesto escrito por Hitler en 1925).

(Fuente: My History Fix)

Irónicamente la imagen que pasaría a la historia como ícono de todas las mujeres trabajadoras, fue creada antes de que iniciara toda la campaña por parte del gobierno. Esta fue Ilustrada por J. Howard Miller en 1941 bajo encargo de The Westinghouse Power Company”, con el simple fin de ayudar a subir la moral a sus trabajadoras. El afiche en realidad pasó prácticamente desapercibido durante los tiempos de guerra, pues únicamente fue colgado en algunas de las paredes de la fábrica por un par de semana.

(Fuente: Amazon)

Sin embargo, todo cambiaría aproximadamente 30 años después cuando el movimiento feminista lo adoptó como estandarte y lo rebautizara como “Rosie the Riveter”, convirtiéndolo en uno de los íconos más simbólicos del empoderamiento femenino de la historia, honrando la memoria de esas millones de extraordinarias mujeres.

(Fuente: Rosie´s daughters)

La mujer que inspiró el icónico poster

En 2016, tras un exhaustivo trabajo de búsqueda, el académico James J. Kimble dio a conocer la verdadera identidad de la mujer que J. Howard Miller tomó como inspiración para la creación de su famoso poster.

(Fuente: People)

Su nombre era Naomi Parker-Fraley y solamente tenía 20 años cuando tuvo que abandonar su trabajo como camarera para prestar labores en la Estación Aérea Naval en Alameda California y convertirse en una de las primeras mujeres a las que se les comisionara trabajar en el cuarto de máquinas en 1941.

Tras un año laborando en fábrica, un fotógrafo la retrató luciendo su particular pañuelo de lunares, mientras trabajaba con un torno de torre. Dicha imagen aparecería en distintos periódicos y revistas de la época y sin ella saberlo, inspiraría al artista J. Howard Miller a crear su ahora icónico póster.

(Fuente: Washington Post)

Naomi pasaría décadas lejos de verse como la musa detrás de esta imagen; hasta que un día durante un evento en el  Rosie the Riveter / World War II Home Front National Historical Park, vio por primera vez su fotografía junto al póster, sin embargo, su nombre no aparecía en la leyenda.

La fotografía se le dedicaba a Geraldine Hoff Doyle, trabajadora de una fábrica de Michigan que debido a su gran parecido con Parker-Fraley, inocentemente comunicó en la década de los 80´s que era ella quien aprecia en la fotografía, tras haberla visto en una reimpresión sin título y sin descripción.

(Fuente: NY Daily News)

Naomi intentó resolver este malentendido enviando al servicio del parque un recorte del periódico con la leyenda original, pero ellos hicieron caso omiso de esta petición, debido al consolidado estatus de Geraldine como inspiración de la obra. Todo parecía una causa perdida, hasta que un día, un profesor de la universidad de Setan Hall en Nueva Jersey llamado James J. Kimble tocara hasta su puerta tras 6 años de búsqueda.

Kimble le prometió hacer todo lo que estuviera a su alcance para que pudiera recibir su merecido reconocimiento y fue así que en 2016, publicó un artículo para la revista Retórica y Asuntos Públicos y la historia de Naomi fue finalmente conocida por todo el mundo.

Lamentablemente a principios de 2018 un informe del New York Times confirmó que la ahora convertida en un ícono Naomi Parker-Fraley, murió a los 96 años en Longview, Washington. Dejando atrás un legado de lucha y determinación, que seguramente seguirá inspirando a las mujeres durante generaciones; ya que según sus propias palabras: “Las mujeres de este país, en estos días necesitan algunos íconos. Si creen que soy uno, estoy feliz por eso”.

Rosie the Riveter Memorial

(Fuente: National Park Sevice)

Lo que comenzó como un proyecto de arte público para la ciudad de Richmond en la década de los 90´s; cobró nuevas dimensiones cuando el National Park Service (Servicio de Parques Nacionales) fue invitado a participar, dando pie a la fundación del Rosie the Riveter WWII Home Front.

(Fuente: Offiece of Cherly Barton)

Diseñado por la artista visual Susan Schwartzenberg en colaboración de la arquitecta y paisajista Cheryl Barton, el Rosie the Riverter Memorial es el primer monumento en conmemorar este importante capítulo en la historia de los Estados Unidos.

(Fuente: Offiece of Cherly Barton)

El monumento está constituido por una formación escultórica de acero inoxidable que figura el casco y popa de un barco en construcción y una pasarela que lo conecta con la bahía de San Francisco. A lo largo del camino se puede apreciar una línea del tiempo sobre el Homefront (actividades realizadas dentro del país para contribuir a las fuerzas armadas) acompañada de citas de las trabajadoras grabadas en granito blanco. Por su parte, la escultura contiene paneles de porcelana con fotografías y cartas redactadas por las trabajadoras de los astilleros.

(Fuente: The New York Times)

El legado de Rosie the Riveter

Actualmente Rosie the Riveter es uno de los iconos más famosos de la historia de los Estados Unidos y su legado ya es reconocido a nivel mundial. Su singular manera de empoderar a las mujeres y lograr que consigan todo lo que se propongan, ha sido motivo de numerosos homenajes, tal es el caso de la película homónima dirigida por Joseph Santley  y estrenada en 1944 o el libro escrito por Penny Colman Rosie the Riveter: Women Working on the Homefront in World War II (Rosie la remachadora: Mujeres trabajando en el frente doméstico en la Segunda Guerra Mundial). 

(Fuente: Spancer Weisz Galleries)

Distintas artistas contemporáneas también han sido inspiradas por todas estas asombrosas mujeres y han contribuido para que su legado llegue a las nuevas generaciones. En el ámbito musical, cantantes como PINK y Christina Aguilera   le han rendido tributo a Rosie en sus videos musicales y por otro lado Madonna que siempre se ha caracterizado por mandar un fuerte mensaje de empoderamiento femenino con su música, proyectó el póster en las pantallas del escenario durante su canción “Express Yourself” como parte de su gira “The MDNA TOUR” de 2012.

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(Fuente: Giphy)

La imagen de Rosie the Riveter como símbolo de empoderamiento personal o ícono de movimientos feministas, se ha inmortalizado en centenares de artículos como tazas, pines, carteles y por supuesto infinidad de playeras que han permitido no solamente llevar este importante mensaje a lugares insospechados, también han contribuido a inspirar a toda una nueva generación de “Rosies”; mujeres que jamás pensarán que no tienen lo necesario para cumplir sus sueños.

Si deseas rendirle un merecido homenaje a todas las mujeres que día con día salen a delante y trabajan arduamente para cumplir sus metas y a aquellas que en el pasado les abrieron paso para poder hacerlo, te invitamos a visitar nuestra tienda virtual  donde podrás encontrar algunos de los diseños que hemos creado para honrar a todas estas valientes mujeres. También puedes sacar provecho de nuestros servicios de diseño y adaptar alguna playera que te haya gustado o crear  una completamente única con la ayuda de nuestro personalizador.

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Lo que todo fan (y no fan) debe saber sobre el mundial Rusia 2018

El fútbol es una de las mayores industrias deportivas en el mundo y desde hace muchas décadas sus aficionados se han extendido a lo largo del planeta.

Los amantes de este apasionante deporte nunca se pierden un partido y mucho menos aquellos que se llevan a cabo durante los mundiales cada 4 años, mismos que son transmitidos en todo el mundo, reuniendo a millones de espectadores y aficionados.

En caso de que tú no esperes ansioso durante 4 años la Copa del mundo, pero deseas formar parte de esta fiesta deportiva que une a todos, así como también entenderla un poco más; nos hemos dado a la tarea de realizar un recuento de lo mejor de la FIFA desde sus inicios, hasta la elección de sedes, organización y todo lo que tienes que saber sobre el increíble país en donde se realizará este mundial 2018: ¡Rusia!

Así que prepárate para conocer más y disfrutar al igual que todos, de este gran campeonato del fútbol.

Sobre la FIFA

La Fédération Internationale de Football Association (FIFA) , es la asociación a cargo de la administración de 211 federaciones (organismos rectores del fútbol), de los mundiales realizados cada 4 años y de los Torneos Olímpicos de Fútbol que tienen lugar en los Juegos Olímpicos de Verano  y se fundó el 21 de mayo de 1904 en Francia, aunque actualmente su sede se encuentra en Zúrich, Suiza.

A su vez, la FIFA se compone de 6 confederaciones, las cuales son la unión de varias federaciones de fútbol, dependiendo de su ubicación en el mapa del mundo y se dividen de la siguiente manera:

  • CAF, agrupa a las federaciones ubicadas en el Continente Africano.
  • CONCACAF, engloba a las federaciones ubicadas en el Norte, Centroamérica y el Caribe. La Federación Mexicana de Fútbol está incluida aquí.
  • CONMEBOL, enfocada en las federaciones al sur del Continente Americano.
  • OFC, abarca a las federaciones de Oceanía.
  • AFC,  enfocada en las federaciones en Asia.
  • UEFA, agrupa a las federaciones del Continente Europeo.

Fuente: UniMexicali

En sus inicios la FIFA estuvo conformada únicamente por asociaciones europeas, hasta que se unió África del Sur en 1910, Argentina y Chile en 1912 y Estados Unidos en 1913.

No obstante, durante estos años, comenzó la Primera Guerra Mundial, lo que complicó las relaciones entre los miembros de la asociación, principalmente los países de Inglaterra y Alemania.

En 1920 una vez concluida la guerra, Jules Rimet , presidente de la Asociación francesa de fútbol, convocó a los miembros de la FIFA a una asamblea para reanudar las relaciones y  seleccionar al  nuevo Consejo Administrativo, donde fue elegido como nuevo Presidente de la FIFA.

Rimet  jugó un papel importante, pues al inicio de su mandato únicamente contaban con 20 federaciones asociadas y al terminar su participación, eran 85. Gracias a su entusiasmo y dedicación por el fútbol, Rimet logró que la organización del VIII Torneo Olímpico de Fútbol de París en 1924,  corriera a cargo de la FIFA, demostrando así el nivel que podían tener como asociación para organizar campeonatos de gran magnitud.

Por eso, de 1930 a 1970, el trofeo que se le entregaba al país ganador del mundial se llamaba Copa Jules Rimet, misma que se le obsequió a Brasil en 1970 por ganar en tres ocasiones (1958, 1962 y 1979) el campeonato mundial.

Fuente: Artículos Hispagenda

El Torneo Olímpico de París en 1924 fue tan exitoso, que motivó a la FIFA a organizar y llevar a cabo el primer Campeonato Mundial de Fútbol el 18 de julio de 1930 en Uruguay, país que destacó como bicampeón (1924 y 1928) en los dos últimos Torneos Olímpicos de fútbol y que además en 1930, celebraría el centenario de su independencia.

Sin embargo, la decisión de llevar a cabo el primer mundial fuera de territorio europeo no fue bien recibida por la mayoría de las federaciones de ese continente y decidieron no participar alegando que a causa de la guerra, no contaban con recursos suficientes  para transportar a sus jugadores hasta el continente americano y aunque Uruguay ofreció cubrir todos los gastos, únicamente 4 federaciones europeas Francia, Bélgica, Yugoslavia y Rumania formaron parte de la primer copa del mundo.

El éxito del primer campeonato en Uruguay fue tan grande que a partir del siguiente año, diferentes países de las confederaciones del continente americano (CONCACAF y CONMEBOL) y del europeo (UEFA) se fueron postulando y alternando para organizar el mundial.

Poco a poco, otras federaciones se han unido a la lista de países sedes, en 2002 la confederación del continente asiático (AFC) con el mundial de Corea del Sur y Japón y en 2010, hizo lo mismo la confederación africana (CAF) con el mundial de Sudáfrica.

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Fuente: GIPHY

Desde 1930 hasta el 2018, las copas del mundo se han llevado a cabo en diferentes lugares, como podrás ver en la siguiente tabla.

De todos estos campeonatos, únicamente 4 países han tenido el honor de ser sede en dos ocasiones: Italia, Francia, Alemania y México, siendo nuestro país un posible candidato para el mundial del 2026 (junto con Estados Unidos y Canadá); lo que lo convertiría en el primer país en organizarlo por tercera ocasión.

Fuente: Pinterest

Privilegio que no puede tener cualquier país, ya que la FIFA exige que el mismo, cumpla con requisitos técnicos y financieros para garantizar el éxito de un evento de esta magnitud.

¿Qué se necesita para ser sede?

Primero, se necesita contar con el apoyo incondicional del gobierno, en todos sus niveles (local, regional, estatal, etc.) en materia de seguridad, visados, permisos de trabajo, ventajas fiscales y aceptación de divisas. Debe cumplir con requisitos técnicos, entre los que destacan poseer estadios con la capacidad de albergar al menos 40 mil espectadores para los partidos de las fases de grupos y 80 mil para el partido inaugural y final.

La infraestructura turística (terminales áreas y capacidad de vuelos), hoteles, campos e instalaciones para entrenamiento, explanadas para los FIFA Fan Fests, así como infraestructura en transportes y telecomunicaciones son sumamente importantes.

Actualmente se elige una sede con 8 años de anticipación, para así otorgarle el tiempo suficiente al país para poder prepararse. Justo por esta razón, la sede para el 2022 ya fue elegida (Catar) y este año decidirán la del 2026.

En 2006 se estableció una política que estipula que las 6 confederaciones del mundo deberán rotarse para albergar los mundiales y se determinó que un país anfitrión no podrá volver a ser sede en los próximos dos mundiales (8 años). Por consiguiente, en el 2026 las confederaciones UEFA (Rusia) y AFC (Catar), no podrán postularse; de manera que la sede para ese año, deberá provenir de la CONCACAF, CAF, OFC o CONMEBOL.

Fuente: El tiempo latino

Ahora que sabes un poco más sobre la historia de la FIFA, la Copa del Mundo y sus sedes, nos gustaría compartir contigo datos interesantes sobre el país que será anfitrión este año. ¿Listo?

¡Rusia 2018!

Rusia es el país más grande del mundo, está conformado por 18 países vecinos y la frontera más larga del planeta, además posee una geografía única y gran diversidad cultural. Es el único país que por su dimensión, se extiende a lo largo de 11 zonas horarias de las 24 que tiene el planeta; por lo que mientras los ciudadanos de San Petersburgo están preparándose para ir a dormir, los del Lavrentiya están despertando y alistándose para un nuevo día.

Su población es muy diversa, cuenta con 146 millones de habitantes (siendo el 9° país más poblado del mundo), lo que se traduce en más de 140 nacionalidades y grupos étnicos, con diferentes idiomas, costumbres y creencias.

Fuente: Promovacances

Estas son algunas de las razones por las que Rusia fue elegida para ser sede de la Copa Mundial 2018 que se llevará a cabo del 14 de junio al 15 de julio 2018, en 11 de sus ciudades.

Para que no te agarren desprevenido, ya sea que tengas planeado ir a Rusia y vivir los partidos o vayas a disfrutarlos desde la comodidad de tu casa, te facilitamos este calendario  con toda la información de la primera semana de partidos, para mantenerte al tanto y así evitar que te pierdas alguno y puedas hasta organizar tus horas de sueño.

Fuente: FIFA

Como podrás ver, 11 ciudades fueron elegidas para albergar los partidos que se llevarán a cabo, así que si eres de los afortunados en visitar Rusia este verano y deseas conocer un poco de la historia y tradiciones que sus sedes esconden, no puedes perderte la información que hemos recopilado para ti. ¡Aquí va!

Sedes del Mundial 2018

  • San Petersbursgo, es una increíble ciudad llena de museos con impresionantes colecciones de arte y hermosos complejos arquitectónicos, siendo el más reconocido, el imperdible “Hermitage”, un conjunto de cinco edificios unidos (el Palacio de Invierno, el Teatro de Hermitage, el Hermitage pequeño, el Hermitage Viejo y el Nuevo Hermitage) que datan de los años 1700 y resultan ser la muestra perfecta del lujo que caracterizó a los zares rusos.

Fuente: Get Your Guide

Para moverte por la ciudad, puedes utilizar el metro de San Petersburgo, también conocido como “palacio del pueblo”, por poseer una decoración majestuosa con columnas de mármol, candelabros de oro y esculturas que asemejan al salón de un palacio y no a una estación de metro.

Fuente: 101 viajes

El Estadio Krestovsky,  ubicado en la isla del mismo nombre, será el escenario de la Semifinal de la Copa del Mundo. Su arquitectura moderna simula una nave especial descendiendo sobre la tierra, tiene capacidad para 70 mil espectadores y posee una cubierta retráctil que le permite albergar todo tipo de certámenes durante la época del año que sea, pues incluso durante el invierno, la temperatura interior se mantendrá a 15º.

Fuente: FIFA

  • La capital de la República de Mordovia, Saransk, se caracteriza por su deliciosa gastronomía, así que si estás por ahí debes probar su platillo típico llamado “garra de oso”; un filete ruso a base de ternera, hígado de ternera y cerdo al cual una vez cocinado y tras haberle dado forma de medallones, se le esparce migas de pan negro.
    Además de la carne, por su cercanía con ríos, lagos y arroyos, el pescado también forma parte importante de la dieta de los mordovianos y suelen degustarlo en deliciosas sopas.

Fuente: FIFA

Gracias a que fue elegida como una de las sedes, están construyendo el estadio Mordovia Arena  donde se llevarán a cabo partidos en la fase de grupos de la Copa Mundial.

Sin embargo una vez finalizado el campeonato, se demolerán algunas estructuras provisionales para hacerlo más eficiente y tendrá una capacidad de 25 mil espectadores, adaptando el espacio restante para construir gimnasios, centros de preparación y entrenamiento, pistas de voleibol, baloncesto y tenis para deportistas de alto rendimiento.

  • Sochi es un destino turístico a orillas del Mar Negro, conocido también como “Riviera rusa”, porque a diferencia de otras regiones del país tiene un clima templado subtropical en el que durante invierno la temperatura no baja de los 0° y en el verano (es decir, para el mundial) se disfrutan de temperaturas de al menos 20°.
    Es por eso que Sochi te permitirá realizar una variedad de actividades, que pueden ir desde alpinismo, hasta un baño de sol a las orillas del Mar Negro.

Fuente: Artur Lévedev

Además, esta ciudad se hizo famosa en 2014 por haber sido sede de los Juegos Olímpicos de Invierno, para lo que se construyeron y modernizaron diferentes estadios; mismos que ahora albergarán algunos partidos de la fase de grupos de la Copa Mundial.

Fuente: marca.com

  • Volgogrado, es una ciudad llena de historia y fue escenario de la Batalla de Stalingrado, un conflicto sangriento entre el ejército Rojo de Rusia y la Alemania nazi, durante la Segunda Guerra Mundial.
    En conmemoración a los caídos  de esta icónica batalla, se erigió en Volgogrado un impresionante monumento de 85 metros, llamado “La Madre Patria llama”, cuya altura supera a la Estatua de la Libertad en Nueva York y se encuentra  ubicado en la colina de Mamáyev Kurgán, a la vista de todos desde cualquier punto de la ciudad.

Fuente: FIFA

En Volgogrado además de conocer su fascinante historia, te encontrarás con el río más largo de Europa (Volga) y podrás disfrutar de sus bellas playas.

  • Samara se convirtió durante la Segunda Guerra Mundial, en la “segunda capital” de Rusia, pues durante esta época los miembros del Gobierno fueron evacuados hasta ahí desde Moscú.
    En esta ciudad podrás visitar y recorrer el impresionante búnker del entonces líder de la URSS Stalin, que se encuentra localizado a 37 metros bajo tierra y sirvió durante la guerra como refugio y centro de mando para controlar los ataques nucleares. Incluso, podrás presenciar y escuchar las alarmas por amenaza de bomba y remontarte a la época de guerra, pero no te preocupes, estos solo son simulacros.

Fuente: Sputnik Mundo

  • Rostov del Don se caracteriza por la influencia de los cosacos; grupos de origen turquino que se asentaron durante el siglo X en esta ciudad y brindaron servicios militares a Rusia y Ucrania. Esta cultura continúa muy presente sobre todo en la periferia del río Don y en la localidad de Starocherkasskaya, situada a 27 kilómetros del centro de Rostov del Dov. Fue convertida en una ciudad museo y ahora es el principal atractivo turístico de la zona.

Por otro lado, el nuevo estadio de Rostov del Don, construido especialmente para este mundial, está situado a la izquierda del río Don y ahí también tendrán lugar algunos partidos de la fase de grupos.

Su diseño combina armoniosamente con el paisaje y está construido con diferentes alturas en las gradas, permitiendo a los espectadores disfrutar desde su asiento no solo del partido, sino de la hermosa vista de la ciudad. 

  • Nizhni Nóvgorod, aunque tiene un nombre difícil de pronunciar, es una de las ciudades más bonitas de Rusia, pues cuenta con más de 600 monumentos históricos, arquitectónicos y culturales, lo que la hizo merecedora de un lugar en 1992 dentro de la lista de la UNESCO de las 100 ciudades del mundo con mayor valor histórico y cultural.
    Uno de los monumentos más impresionantes es su Kremlin (ciudadela amurallada) que data del siglo XVI y posee una fortaleza de ladrillo de 2 km de perímetro, situada en una elevación de terreno y ofreciendo hermosas vistas de la ciudad.

Fuente: Dronestagram

Para construir el estadio de Nizhny Novgorod  se inspiraron en dos características naturales de la región: el agua y el viento, por su cercanía con el río Volga.

Sin embargo, como está ubicado en la proximidad de los barrios más históricos de la ciudad, para no romper con la vista, las autoridades determinaron que debería tener una imagen sobria y austera.

Fuente: FIFA

  • Kaliningrado es una ciudad muy peculiar de Rusia, pues no se encuentra ubicada geográficamente dentro del territorio, sino que está entre Lituania y Polonia.

Fuente: BBC

La historia de su ubicación (que puede parecer un exilio) se remonta a la Segunda Guerra Mundial, ya que antes de llamarse Kaliningrado, pertenecía a Prusia, un territorio alemán y se llamaba Königsberg (“Montaña del Rey” en alemán). Sin embargo, esta ciudad fue arrasada por los soviéticos y prácticamente se volvió a construir de las cenizas, destruyendo muchos edificios históricos y reemplazándolos por nuevos, lo que provocó que la antigua ciudad de Königsberg, se perdiera en el tiempo y quedara totalmente irreconocible.

A pesar de eso, Kaliningrado aún conserva una pequeña parte de la antigua ciudad, en la hermosa Catedral de Königsberg, la única en la zona que mantiene su arquitectura original y fue rehabilitada en 1990, para finalmente ser declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Kaliningrado igual se destaca por ser la fuente principal de ámbar, como podrás conocer en el interesante Museo del Ámbar, con 28 salas de exhibición y muestras de artesanías hechas a base de ese material.

  • Kazán es otra joya de Rusia, donde la mezcla de la cultura ortodoxa y el Islam se vive en todo su esplendor; antes de ser tomada en el siglo XVI por el primer zar ruso Iván “el Terrible”, esta ciudad la ocupaban los tártaros (un pueblo túrquico).
    Ahí podrás apreciar su ciudadela amurallada, Kremlin, donde se erige la hermosa mezquita Kul Sharif (reconstruida en 2005) y a un lado de ella encontrarás la catedral de la Asunción (que data del siglo XVI), demostrando que diferentes religiones pueden convivir en paz.

Fuente: Revista Rusa

  • Ubicada entre Europa y Asia, Ekaterimburgo tiene mucho que ofrecerte. En cuanto pises la ciudad, podrás observar en el suelo una línea roja pintada que recorre 5.5 kilómetros y si la sigues, te ayudará a conocer sus 35 lugares más emblemáticos, sin la necesidad de tener un mapa. Así que si te pierdes, sigue la línea roja.
    Uno de los lugares que definitivamente debes visitar, es la Catedral de la Sangre Derramada, un monumento construido para conmemorar el lugar donde el zar Nicholas II y la familia Romanov (sí, la de Anastasia), fueron brutalmente asesinados el 16 de julio de 1918, siendo el fin de la era de los zares en Rusia. La Catedral posee un museo, donde podrás conocer la fascinante historia de la familia rusa más famosa del mundo.

Fuente: Mi patria son mis zapatos

  • Moscú al ser la capital de Rusia, es una de las ciudades más espectaculares del mundo y es visitada por más de 4 millones de turistas al año.
    Su atractivo principal es la Plaza Roja, símbolo de Rusia, compuesta por diferentes complejos arquitectónicos, como su Kremlin, el Museo Estatal de Historia Rusa, el GUM (tiendas departamentales) y la colorida Catedral de San Basilio.

Fuente: 8-themes

Esta dinámica metrópoli te permitirá realizar una variedad de actividades que van desde experiencias culturales hasta disfrutar de la vida nocturna y gastronomía rusa.

No puedes irte de Moscú sin probar uno de los platillos principales de Rusia: los “pelmeni”, una especie de raviolis rellenos de carne que se acompañan con mantequilla, crema o especias.

Fuente: Bautrip

Por otro lado, esta ciudad será la sede principal de la Copa Mundial 2018, pues el Estadio de Luzhniki albergará el partido inaugural, una semifinal y el ansiado gran final. Está situado en el centro del Complejo Olímpico de Moscú y es uno de los estadios polideportivos más grandes del mundo, con capacidad de 80 mil espectadores.

Como puedes notar, las sedes de la Copa Mundial 2018 te ofrecen mucho más que fútbol; Rusia es un país lleno de cultura y lugares increíbles.

FAN ID

Por lo tanto, si planeas visitar Rusia para este magno evento, es indispensable que cuentes con tu FAN ID  un documento de identidad requerido por las autoridades rusas, que te permitirá entrar y permanecer en el país sin visa por un período de 10 días antes del primer partido y 10 días posteriores al último partido de la Copa. Además, te otorga diferentes beneficios como servicios gratuitos de transporte, que incluyen trenes interurbanos y transporte público.

Para poder solicitar tu FAN ID, necesitarás haber adquirido previamente una entrada válida para asistir a alguno de los partidos.

Fuente: Clarin

Sin duda, la organización y trayectoria de la FIFA, han logrado que cada cuatro años, los mundiales sean muy esperados por millones de fanáticos. Incluso si no te consideras un aficionado del fútbol, seguro querrás unirte a tus amigos o familia para vivir la emoción de apoyar a México en esta Copa Mundial de Rusia 2018. ¡Es el evento del año y no te lo puedes perder!

Si estás listo para vivir la pasión del Mundial 2018, te invitamos a entrar a www.printome.mx, echar un vistazo a nuestra tienda virtual e imprimir alguna de nuestras playeras diseñadas especialmente para Rusia 2018.

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Walt Disney y el mágico mundo de la animación

Walter Elías Disney, mejor conocido como Walt Disney, ha sido sin duda el personaje con mayor admiración en la industria del entretenimiento. Un apasionado del dibujo, cuya imaginación lo llevó a crear inolvidables películas y personajes que cambiaron al mundo cinematográfico y sentaron las bases de la animación como la conocemos hasta el día de hoy.

Ganador de 48 premios Oscar, 7 Emmys y acreedor de diversos honores por parte del gobierno de E.U. (Presidential Medal of Freedom) de las Universidades de Harvard y Yale e incluso ser miembro de la Orden Mexicana del Águila Azteca (el más alto honor para un extranjero por parte del gobierno de México), son algunas de las menciones y razones por las que Disney es mundialmente reconocido.

Sin embargo, como en casi todas las historias de éxito, la vida de Walt Disney y su trayectoria como animador y empresario también estuvo llena de fracasos, tropiezos y decepciones; los cuales tuvo que superar para construir una de las compañías con mayor reconocimiento y estimación alrededor del mundo.

Andador Urbano

El creador de Mickey Mouse, nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois y fue el cuarto hijo de Flora y Elías Disney. Su infancia la vivió en una granja en Marceline Missouri, donde desde pequeño se interesó por el dibujo, vendiendo sus primeros bocetos a los vecinos a la edad de 7 años.

Cuando creció, estudió la preparatoria en Mckinley High School en Chicago, mientras por las noches tomaba clases en la Academy of Fine Arts.

En 1920 se mudó a Kansas City, donde inició sus primeras caricaturas y animaciones para el Pesemen Rubin Art Studio, el cual publicaba en periódicos, revistas y cine. Fue ahí donde conoció a Ub Iwerks, un caricaturista con el que entabló una amistad y gracias a ella, ambos se unieron para formar “Laugh O’ Grams”, una compañía de animación que no resultó ser exitosa por sus excesivos costos, pero que le daría la oportunidad de crear “Alice’s Wonderland”, un corto que combinaba la animación con imágenes reales.

Decepcionado por la quiebra de su primer estudio, Walt decide mudarse en 1923 a Hollywood; lugar que se empezaba a consolidar como la meca del cine, llevándose con él 40 dólares en el bolsillo para su boleto de ida y el corto de “Alice” previamente producido.

Después de llegar, Disney envió el corto de “Alice” a la distribuidora neoyorquina de Margaret Winkler, misma que se interesa y firma un contrato de un año con él para producir y distribuir más cortos, que se llamarían “Alice’s Comedies”.

Con los recursos otorgados y bajo la tutela de Winkler, Walt reúne a Ub Iwerks y a su hermano Roy. Es así como en el garaje de su tío Robert, crean el Disney Brothers Studio, el que más tarde se convertiría en Walt Disney Studio. 

Poco a poco, la compañía creció tanto en popularidad como en trabajadores; Roy se encargaba de la parte administrativa, para que Walt y su amigo Ub Iwerks se dedicaran a lo que mejor se les daba: la animación.

LA Times

Pronto ambos crearon un personaje llamado Oswald The Lucky Rabbit, quien se convertiría en el protagonista de series completamente animadas.

Sin embargo, después de producir los cortos con mucho éxito por un año, Walt decide  viajar a Nueva York para hablar con Winkler y negociar un nuevo acuerdo económico por la serie de Oswald y es cuando descubre que la productora había contratado a todos sus trabajadores (excepto a Ub), para producir la serie de Oswald por mucho menos dinero y sin Walt Disney.

Al releer su contrato, el joven animador se percató que los derechos de Oswald los poseía la distribuidora y no él, por lo que decepcionado, deja ir a su primer personaje.

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Esta es la razón por la que el estudio se vio en la necesidad de crear otro personaje que pudiera llegar a ser igual o más exitoso que Oswald y los salvara de la bancarrota.

Así es como Walt y Ub Iwerks, le dieron vida a uno de los personajes más famosos en la historia de la animación; un ratón que con una personalidad pícara y amigable, ha encantado a todo el mundo desde el 18 de noviembre de 1928 durante su aparición en el corto animado con sonido “Steamboat Willie”: Mickey Mouse.

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Aprovechando el éxito de Mickey y sin perder tiempo, Walt y Ub pusieron manos a la obra y crearon más cortos animados donde el famoso ratón era el protagonista, pero poco a poco fueron añadiendo nuevos personajes que lo acompañaban, mismos que ahora son reconocidos y queridos por todos: Minnie, la eterna novia de Mickey, Pluto, su simpática mascota, Donald, un pato con un mal carácter pero adorable y Goofy, el amigo noble y torpe.

Siendo un visionario y siempre a la vanguardia, Disney aprovechó la tecnología del “Technicoloren la producción de un corto animado a todo color llamadoFlowers and trees, primero en ganar un Oscar a “Mejor caricatura” en 1932, año en el que la Academia incorporó esta nueva categoría a los premios.

En 1934, Walt Disney anunció a su equipo de animadores la producción de una película completamente animada y a color, misma que fue considerada “la locura de Walt”, ya que producirla, implicaría un costo de $1,499,000 dólares y por consiguiente la posible quiebra del estudio en caso de que la película no llegara a ser exitosa.  

Decidido a correr el riesgo, Disney llevó sus planes a cabo y en 1937 se estrena Blanca Nieves y los 7 enanos la primera película musicalizada y completamente a color en la historia de la animación.

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La historia de Blancanieves resultó ser un rotundo éxito, superando las expectativas y haciéndola merecedora de un Oscar honorífico (junto con 7 Oscars versión miniatura en alusión a los enanitos), lo que le permitió al estudio obtener suficientes ganancias para pagar deudas y producir nuevas películas como Pinocchio y Fantasía en 1940, siendo la última también acreedora de un Oscar honorífico por su sonido.

Otras películas producidas durante este período fueron Dumbo, con un presupuesto y tiempo limitado y Bambi en 1942, que resultó ser una película muy costosa ya que prestaba atención especial a los detalles y animación realista.

Durante esta época, inició la Segunda Guerra Mundial, por lo que el gobierno de los Estados Unidos le encargó al estudio una serie de filmes con tinte propagandístico para el entrenamiento de la armada. Esto provocó que la mayor parte de la compañía se viera en la necesidad de invertir tiempo y recursos en propaganda para la guerra, sin poder producir por un tiempo otras películas del mismo nivel que Blancanieves.

Por lo que durante este período, se produjeron a bajo costo distintas “package films” o películas compuestas por historias breves, como “Saludos Amigos” y “Los Tres Caballeros”, ambas protagonizadas por Donald y dos nuevos personajes: José Carioca, un loro brasileño y Pancho Pistolas un gallo mexicano.

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Terminada la guerra, el estudio regresó a la popularidad con el estreno de un nuevo filme en 1950, cuyos costos alcanzaron casi los 3 millones de dólares: La Cenicienta.

Esta película representó un reto para la compañía que se encontraba sumida en deudas por la guerra, pero que a pesar de eso, logró tener éxito comercial y recaudó casi 85 millones de dólares, ayudando al estudio a reponerse y  posicionarse. La Cenicienta es considerada como una de las mejores películas de animación estadounidense según el American Film Institute, ya que el 90% de la película fue hecha primero en imágenes reales, las que posteriormente fueron animadas para dar vida a los personajes.

Fue nominada a 3 Oscars: Mejor banda sonora, Mejor sonido y Mejor canción por “Bibbidi Bobbidi Boo”.

La Cenicienta fue la película favorita del mismo Walt Disney, por haber sido el parteaguas para el estilo lleno de magia, música y color que caracterizaría a los filmes del estudio. Posterior a esta película le siguieron otras exitosas como Alicia en el País de las Maravillas , Peter Pan  y La Dama y el Vagabundo.

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Walt Disney se caracterizó por su enorme imaginación, perseverancia y pasión por alcanzar hasta sus más grandes metas, corriendo riesgos y apostándo siempre a la innovación.

Su curiosidad lo llevó a crear una de las compañías más valiosas del mundo, que con sus mágicas películas y personajes inolvidables han enseñado tanto a niños como adultos a no rendirse, pues todos nuestros sueños se pueden hacer realidad, si tenemos el coraje de perseguirlos”.

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Las playeras y el Girl Power

La idea de conmemorar el Día Internacional de la Mujer surge gracias a los numerosos movimientos obreros en Norteamérica y Europa a finales del siglo XX, sin embargo, desde hace muchos años las mujeres han luchado por sus derechos frente a una sociedad que las reprime; por lo que el empoderamiento femenino no es algo nuevo y mucho menos una moda pasajera.

Sin importar la nacionalidad, religión o ideología política; las mujeres de todo el mundo se han unido con una misma causa en común, tener la libertad de tomar sus propias decisiones y recibir las mismas oportunidades que los hombres.

Las mujeres mexicanas no se han quedado atrás y con extraordinarios actos de valor, consiguieron que su voz sea escuchada, tal es el caso de las cartas escritas por mujeres zacatecanas en 1824, donde solicitaban ser reconocidas como ciudadanas ante el gobierno mexicano o figuras como la sufragista yucateca Elvia Carrillo Puerto, quien luchó para conseguir el voto femenino en 1953.

Actualmente las Redes Sociales juegan un rol fundamental para compartir y hacer virales causas sociales, logrando que las personas alrededor del mundo se sumen a ellas. El empoderamiento femenino no se ha quedado atrás, pero como toda causa y más hoy en día, necesita apoyarse de otro tipo de medios que les ayude a generar un mayor impacto y compartan un mensaje que perdure, justo por esta razón las playeras que transmiten mensajes feministas, además de empoderar a aquellas que las portan, ayudan para transmitir su razón de ser a mujeres y hombres.

A continuación, en apoyo a cada mujer y conmemorando su día, te compartimos las historias de algunas playeras que han difundido el Girl Power.

 

We should all be feminists

 

Tras la partida del diseñador Raf Simons de la casa de moda francesa Dior, su nueva directora creativa, María Grazia Chiuri  decidió unir moda y política, para mandar un fuerte mensaje en pro de la igualdad, durante su primer desfile al frente de la marca y hacer historia en 2016.

En su colección Spring-Summer 2017  inspirada en el deporte, una de sus playeras destacó de entre todas las demás piezas, gracias a su mensaje. Con la leyenda “We should all be feminists” (Todos deberíamos ser feministas), Chiuri mostró su apoyo a la protesta de un grupo de mujeres quienes sentían que la elección de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos, representaba un retroceso en el avance frente a la igualdad de género.

 

(Fuente: The Sydney Morning Herald)

 

La playera rinde tributo a la famosa escritora feminista nigeriana, Chimamanda Ngozi Adichie,  quién en 2014 publicó un libro con este mismo título y en el que habla de cómo los estereotipos fijados por la sociedad, han manipulado el concepto del feminismo.

A pesar de su elevado precio de $710 USD ($13,000 MXN aprox.); la prenda fue bien recibida, aunque también fue objeto de críticas por grupos represores, alegando que la marca enviaba un mensaje contradictorio, ya que la playera abogaba para que todos sean feministas, pero en realidad eran muy pocos los que podían comprarla.

 

(Fuente: médium)

 

Dior no tardó en responder a la crítica, anunciando que un porcentaje de las ventas sería destinado para apoyar a Clara Lionel Fundation;  una organización sin fines de lucro creada por la cantante Rihanna y que lucha contra la injusticia, desigualdad y pobreza a nivel mundial a través de programas de salud y educación.

Gracias a su fuerte mensaje y al apoyo de celebridades como Natalie Portman, Demi Lovato y Chiara Ferragni, incluso de Jennifer Lawrence quien lució la prenda en la portada de la revista Harper´s Bazaar Alemania; la playera se convirtió en todo un éxito, agotándose desde la fase de preventa, antes de siquiera llegar a los almacenes.

 

(Fuente: Tech Girl)

Prabal Gurung

 

Tal fue el impacto de la camiseta diseñada por Dior, que hasta recibió respuesta por parte de otros diseñadores, como el nepalés Prabal Gurung, que durante la presentación de su colección Fall Winter 2017-2018  en la semana de la moda de Nueva York, decidió comunicar un fuerte mensaje y ofrecerle un profundo agradecimiento a Chiuri.

Lo que parecía una impecable colección de invierno, repleta de vestidos fluidos, volantes, flecos y transparencias; se convirtió en toda una celebración a la diversidad, pues al cierre del show, modelos de múltiples tallas, etnias y nacionalidades desfilaron por la pasarela usando playeras acompañadas de frases en pro del empoderamiento femenino y la igualdad de derechos, mientras la canción “Imagine” de John Lennon las acompañaba de fondo.

 

(Fuente: The Fashion Law)

 

Algunas con mensajes claros y directos como “Stranger than fear” (Más fuerte que el miedo), “We will not be silenced” (No deberíamos ser silenciadas), “Nothing more, nothing less” (Nada más, nada menos) y “Love is the resistence” (El amor es la resistencia) y otras con un gran trasfondo, como el caso de “Nevertheless she persisted(Sin embargo ella persistió), frase que se ha consagrado como todo un lema feminista en EEUU después de que la senadora demócrata Elizabeth Warren fuera callada por los miembros Republicanos del senado mientras recitaba unas palabras de la activista Coretta King.

 

(Fuente: Hollywood Reporter)

 

Otras playeras que también se apreciaron durante el desfile, fueron inspiradas en la cultura pop como “Girls just want to have fundamental rights” (Las chicas solo quieren tener derechos fundamentales), un juego de palabras inspirado en la popular canción de los años 80´s interpretada por la cantante británica Cindy Louper  y otra con la leyenda “I have a dream” (Tengo un sueño) título del famoso discurso  en contra de la segregación racial emitido por el Dr. Martin Luther King   en 1963 y que ha inspirado a decenas de artistas como al grupo ABBA, quienes utilizaron esta frase para nombrar a uno de sus más famosos sencillos.

 

(Fuente: Glamour)

 

Una de las playeras que particularmente llamó la atención, fue la que estaba acompañada del mensaje “Yes, we should all be feminist… (Thank you Chimamanda and María)” (Si, todos deberíamos ser feministas… [Gracias Chimamanda y María]). Una clara respuesta en la que le otorgaba un reconocimiento a Chimamanda Ngozie por su labor en torno a los derechos de la mujer y a María Grazia Chiuri por la difusión del mensaje a nivel mundial. Sin embargo, el diseñador no perdió la oportunidad de homenajear a otras grandes figuras que forman parte del movimiento feminista, con sus creaciones “I am a Rosa” (Soy una Rosa),  “I am a Gloria”  (Soy una Gloria) y “I am a  Malala” (Soy una Malala), en las que respectivamente rendía homenaje a Rosa Park, Gloria Steinem, Malala Yousafzai  que con su labor han logrado importantes avances en materia de la igualdad de género y el respeto a los derechos humanos.

 

(Fuente: El español)

Finalmente, y para cerrar con broche de oro el show, Prabal Gurung desfiló por la pasarela vistiendo una camiseta que decía “This is what a feminist looks like” (Así es como luce un feminista), demostrando su completo apoyo por el movimiento. Gurung siempre se ha caracterizado por su gran labor altruista, siendo el creador de Shikshya Foundation Nepal que contribuye a mejorar el sistema educativo de su país; además de ser un constante benefactor de las asociaciones American Civil Liberties Union y Planned Parenthood

 

(Fuente: Specs & Blazers)

Mexicana

 

Las mujeres de México se caracterizan por su fortaleza, por contar con una esencia única que logra trascender y ser motivo de admiración. El diseñador mexicano Kris Goyri,  buscaba reflejar estas grandes cualidades y homenajear a todas aquellas mujeres que a lo largo de los años se han encargado de transformar y mejorar la realidad de ser mexicanas.

Goyri desde el inicio de su carrera ha buscado generar con sus colecciones una conexión con la mujer de hoy, aquella que no teme expresar su femineidad y creatividad, misma que posee una voz fuerte y latente. Fue así, que en su espectacular desfile a la sombra del Ángel de la Independencia durante el Mercedes-Benz Fashion Week México, presentó su colección Full Winter 2017, donde destacó una singular prenda con la palabra “Mexicana”.

 

(Fuente: El informador Qr)

 

Esta playera alcanzó un gran éxito, por englobar el nacionalismo y el feminismo, dos elementos importantes y relevantes de la situación que vivimos hoy, donde luchamos porque todos contemos con las mismas oportunidades. Ganó popularidad por hacer frente a la adversidad ocasionada por la elección del Presidente Trump y sus ideas “anti-mexicanas”. De esta forma, las mujeres mexicanas expresaban el orgullo que sienten por su país y por lo que significa ser mujer.

 

(Fuente: Grazia México)

 

Tras el terremoto; que sacudió el pasado 19 de septiembre a la CDMX y los estados de Puebla, Morelos, Oaxaca, Veracruz, Tlaxcala, Guerrero y el estado de México; Goyri se unió a aquellas celebridades mexicanas que estaban dispuestas a ayudar y decidió donar todas las ganancias de estas playeras a los damnificados. Para apoyarlo, personalidades como Karla Souza, Ana Girault y Pam Allier  compartieron con sus seguidores en redes sociales el diseño, demostrando una vez más, que cuando los mexicanos trabajamos juntos siempre encontramos la manera de salir a  delante.

 

 

(Fuente: Quién)

Girl Power

 

Aunque parezca un concepto nuevo, el Girl Power lleva más de 2 décadas empoderando a las mujeres de todo el mundo. Podemos atribuirle la creación de este término a las Bikini Kill ; un grupo de punk estadounidense que siempre luchó porque las mujeres tuvieran presencia en un género musical en el que únicamente figuraban los hombres y quienes en 1991 llamaron de esta manera a su revista colaborativa.

Justamente en esta revista, fue donde se imprimió el decálogo de las Riot Girrrls, acontecimiento que daría inicio a todo un movimiento de hermandad femenina que impulsaba a otras mujeres a tomar decisiones propias y a que juntas lucharan por sus derechos.

          

(Fuente: QueenFeminist)

 

Si bien, el término fue adoptado como lema de numerosos grupos feministas, no fue hasta que los managers Chris y Bob Herbert lanzaron un comunicado convocando a chicas para formar parte del que se convertiría en el Girl Group más famoso de la historia; que el Girl Power se convirtiera en un sinónimo de autosuficiencia, seguridad y empoderamiento personal.

Las Spice Girls, llegaron a romper con todos los moldes establecidos por la industria musical de su época, ya que no representaban a un solo tipo de mujer, sino que desde el principio llevaron como estandarte la diversidad. Ellas revolucionaron por completo el Girl Power, demostrando que existan millones de maneras en las que una mujer se puede empoderar cuando cree en sí misma y toma las riendas de su vida.

 

(Fuente: Shemagazine)

 

Después de 20 años, parece ser que el legado que dejaron las Spice Girls continúa vigente, pues su exitoso hit “Wannabe” fue retomado por The Global Goals, iniciativa de las Naciones Unidas (ONU), como parte de su campaña #WhatIReallyReallyWant, donde alentaban a las chicas a compartir en sus redes sociales iniciativas y deseos para evitar las injusticias que el sexo femenino vive y conseguir la igualdad de género.

 

(Fuente: Dotmug)

 

El éxito de esta campaña ha sido tan grande, que ahora el  Girl Power ya es una filosofía de vida entre las nuevas generaciones; tanto así que múltiples marcas lo han adoptado e impreso en centenares de playeras, con la intención de seguir empoderando a las mujeres y en especial a las más pequeñas, para que desde temprana edad comiencen a  tomar conciencia y sepan que su género no las limita para cumplir cualquier meta que se propongan, a pesar de que en ocasiones la sociedad les haga pensar lo contrario.

 

(Fuente: F Equals)

 

Jamás debemos olvidar y dejar de reflexionar sobre los grandes cambios, avances y logros que las mujeres han conseguido a lo largo de los años gracias a su extraordinaria valentía, porque a pesar de que un gran camino ya fue recorrido, como sociedad, todavía nos falta mucho trabajo por delante.

Así que si deseas portar una playera con la que expreses lo orgullosa que te sientes de ser mujer y luchar por tus derechos o existe alguna mujer en tu vida a la que admiras y te gustaría reconocer, te invitamos a echar un vistazo en nuestra tienda virtual, para encontrar algunos de los diseños que creamos inspirados especialmente por esta gran causa y para recordar los actos valientes y extraordinarios que se han llevado a cabo alrededor del empoderamiento femenino.

Si nuestras propuestas no son lo que estabas buscando y deseas un diseño mucho más específico o personal, puedes personalizar tus propias playeras o aprovechar nuestros servicios de diseño y solicitarnos ayuda para adaptar alguno que sea de tu agrado.

¡Imprime tu estilo y lleva el Girl Power a todos lados!

 

6 playeras que cambiaron el destino de su marca

Como descubrimos anteriormente las playeras, son una de las herramientas de marketing más directa y económica que existe e incluso consiguen que sus mensajes perduren después de haber concluido sus campañas.

Expertos de la publicidad y grandes marcas como Hard Rock Café, Evian y Wendy’s; durante años han sabido aprovechar el merchandising mediante playeras, para crear y conseguir un gran impacto entre la multitud y fortalecer sus mensajes.

A continuación, te presentaremos algunas de las playeras publicitarias más famosas de todos los tiempos y aquellos elementos clave que las hicieron trascendentes.

  1. FCUK

En el 1990 la tienda de ropa French Connection U.K se encontraba en decadencia, ya que se había convertido en una compañía pública, la bolsa no estaba a su favor, las acciones bajaban cada vez más de precio y los administradores contratados para alivianar la transición, no contaban con experiencia en el sector textil. Stephen Marks, CEO y dueño de la tienda, decidió invertir lo último de su capital en una campaña bastante atrevida y arriesgada, misma que salvaría la compañía de la bancarrota y cambiaría su personalidad para siempre.

En 1991 Marks contrató a Trevor Beattie, el audaz mercadólogo detrás del icónico espectacular inglés de Wonderbra protagonizado por la modelo Eva Herzigova. Este enorme espectacular, resaltaba a la modelo vestida en ropa interior y logró captar la atención de millones de hombres y mujeres.

(Fuente: Standard U.K) 

Se dice que, durante la reunión inicial, Beattie miró la correspondencia sobre el escritorio de Marks y notó que las iniciales de la compañía FCUK se asemejaban a otra palabra mucho más controversial. Fue así, que se le ocurrió jugar con la coincidencia, aprovechándola como una herramienta de posicionamiento de marca, misma que sin duda causaría gran controversia.

La campaña se basó en apelar al lado anárquico del público, todas las tiendas de French Connection lucían las palabras “FCUK Fashion” en grande en sus ventanas. Las playeras a la venta incluían los slogans “Hot as fcuk” y “Cool as fcuk”, pero finalmente el diseño que generó más ventas, fue una playera negra con las iniciales FCUK en blanco y letras pequeñas. Esta estrategia logró su cometido, ya que mientras más controversiales y osados eran los anuncios, más playeras FCUK se vendían y se convirtieron en un símbolo de los 90’s.

(Fuente: Herlich)

En 2003, French Connection empezó a alejarse de este branding, pues había perdido su autenticidad gracias a los imitadores que empezaron a crear playeras falsas. Aun así, su éxito duró una década completa, salvó a la compañía de la bancarrota y todavía se pueden encontrar una que otra playera con las iniciales FCUK en las tiendas.

  1. Hard Rock Café

Una de las playeras más reconocidas a nivel mundial, es la de Hard Rock Café. Los dueños del restaurante Isaac Tigrett y Peter Morton, jamás se imaginaron que este diseño fuera a pasar a la historia como uno de los más famosos, ya que, en realidad, resultó ser un accidente exitoso.

Ambos socios decidieron patrocinar un equipo local de fútbol y les dieron playeras con el logo de Hard Rock Café, con la finalidad de promocionar su restaurante y apoyar a su equipo favorito al mismo tiempo. Sin embargo, calcularon mal y terminaron haciendo más playeras de las que necesitaban, así que comenzaron a regalárselas a sus clientes frecuentes y estos las usaban por toda la ciudad.

(Fuente: Apparelnews)

De pronto y sin verlo venir, el restaurante decorado estilo diner americano y con toques que rinden homenaje al rock, comenzó a recibir solicitudes por parte de muchos londinenses que deseaban conseguir la misma playera que veían por las calles. El resto es historia, Tigrett y Morton, se vieron en la necesidad de añadir una pequeña tienda en el local, dedicada únicamente a la venta de playeras para satisfacer la alta demanda.

En 1982 Hard Rock Café inició su expansión a nivel mundial y como parte de su estrategia, marcaron las playeras con el nombre de la ciudad a la que pertenecía cada uno de los restaurantes, mismos que actualmente suman 191 alrededor del mundo. Así consiguieron que las playeras se convirtieran en un artículo de colección, por lo que muchos fans de la famosa cadena las compra en cada uno de los locales de la ciudad que visitan como recuerdo.

  1. Frankie Say Relax

Si eres fan de Friends, seguramente recordarás la playera de Ross que decía “Frankie Say Relax” y la manera tan insistente en la que le pedía a Rachel que se la devolviera cuando terminaron por una infidelidad. (A menos de que seas del grupo que apoyan el “We were on a break!”) 

(Fuente: Friendstvscenes)

Sin embargo, la historia de esta playera comenzó mucho antes de la interminable disputa entre Ross y Rachel sobre su rompimiento. En 1983, la banda de pop Frankie Goes To Hollywood, lanzó su single “Relax Don’t Do It”, pero este pasó desapercibido. Al año siguiente, decidieron intentarlo nuevamente, esta vez acompañados de una estrategia de publicidad que incluía la venta de las playeras “Frankie Say Relax” diseñadas por Paul Morley de la discográfica ZTT Records.

La venta de playeras se impulsó cuando Relax Don’t Do It, fue prohibida por la BBC 10 días después de su relanzamiento debido a su letra lasciva, provocando únicamente que el público convirtiera el single en número uno y buscara cualquier manera de escuchar “la canción prohibida”.

Las playeras continuaron vendiéndose y alimentando la obsesión de todos los jóvenes de Inglaterra y Estados Unidos durante la segunda mitad de los 80’s. De hecho, un tiempo después de que el single bajó de posición en cartelera, la banda empezó a vender más playeras que discos.

  1. Choose Life

Wake me up before you go go…

Esta famosa canción del grupo Wham! interpretada por George Michael en 1983, pasó a la historia por alcanzar el número uno en las listas de 10 países y por despertar con su video musical un sentimiento liberal y de anti-gobierno entre la sociedad americana.

Michael siendo una figura pública y liberal, que mediante su forma de vestir y actuar difuminaba las líneas entre el género masculino y femenino; en el video de esta famosa canción lució una playera con el slogan “Choose Life”; convirtiéndolo en moda y expandiendo su mensaje. De esta manera, transformó la playera en un símbolo de campaña izquierdista, de reclamo contra el gobierno y sus políticas derechistas que excluían a afroamericanos, gays, y mujeres.

“Choose Life” fue creado por Katherine Hamnett, para protestar contra la amenaza de muerte y destrucción que los americanos vivían durante la Guerra Fría. Hamnett, se dedicaba a diseñar playeras con mensajes políticos contra la ideología republicana, usando tipografías grandes estilo bloque.

(Fuente: T-shirt Lab)

Desde entonces, varias organizaciones sin fines de lucro, han continuado sacando provecho de este mensaje en campañas anti-drogas y para prevenir el SIDA. A pesar de su origen liberal, recientemente organizaciones conservadoras de Estados Unidos que protestan por el derecho al aborto; adoptaron este slogan como mensaje para abogar por la creación de leyes que lo prohíban a nivel federal.

A pesar de que este poderoso slogan ha sido utilizado a lo largo de los años por liberales y conservadores, siempre ha mantenido la esencia de luchar por la vida.

  1. Where’s the beef? De Wendy’s

En 1984 Wendy’s necesitaba destacarse de su competencia, sin embargo, no contaba con ninguna hamburguesa estrella a diferencia de McDonald’s que ofertaba su Quarter Pounder y la Big Mac. Fue así, que decidió apostar por resaltar la calidad de su carne y nació el slogan “Where’s the beef?”, resaltando que ellos sí vendían verdadera carne.

Esta exitosa campaña estuvo compuesta por una serie de anuncios televisivos protagonizados por una manicurista de tercera edad llamada Clara Peller, quien fue descubierta en el set donde se grababa el comercial, cuando un miembro de la producción notó que su voz y aspecto distintivo resultarían perfectos para conectar con el público.

(Fuente: Yahoo)

 

Al ver el éxito de la campaña, Wendy’s comenzó a imprimir playeras con su ingenioso slogan, consiguiendo multiplicar sus ganancias y alcanzando un record de $76.2 millones USD.

La cadena de comida rápida en 2011, nuevamente utilizó esta frase para otra de sus campañas publicitarias. Después de 27 años y con un nuevo comercial, respondió directamente su famoso slogan, mostrando a un joven caminando por la ciudad luciendo una playera con el diseño, mientras que la gente le preguntaba “¿Dónde está la carne?”, hasta que finalmente llegaba a un Wendy’s y se encontraba con el letrero: “Here’s the beef!”.

(Fuente: Adweek)

  1. Baby Inside de Evian

 

Evian, la marca de agua francesa más cara y reconocida de Europa y Estados Unidos, se ha valido de los más pequeñitos en su publicidad desde sus primeros comerciales en 1939. Su conexión con los bebés, comenzó en los años 30’s cuando todos los hospitales de Francia la recomendaron para lavar los biberones, debido a que era tan pura que afirmaban resultaba mejor usarla que hervir el agua.

En 1998, buscando volver a su esencia, crearon un anuncio llamado “Water Babies”, donde pequeños nadaban y hacían todo tipo de acrobacias en una piscina. De esta manera le recordaron al público los inicios de Evian, como el agua más pura, tan pura que la puedes usar con tus nenes. El anuncio obtuvo mucho éxito, generando más ventas y posicionando a la marca como la conocemos hoy en día, siempre de la mano con bebés y juventud.

En 2009, once años más tarde, los amados bebés Evian aparecieron nuevamente, pero esta vez con un twist, ya que en los anuncios bailan breakdance en patines gracias a efectos CGI.

(Fuente: RightThisMinute)

A pesar de que el video “Roller Babies” fue una sensación viral en internet, ese año las ventas de Evian disminuyeron un 25% debido a la crisis económica del momento.

En 2011 Evian decidió usar bebés nuevamente en su marketing, pero esta vez asegurándose de no perder su mensaje clave, el que incitaba a la audiencia a “live young”. Pero, para no perder esta esencia con las ocurrencias de los bebés, crearon una campaña global con una playera que conectaba la relación entre el adulto que consume Evian y su niño interior.

(Fuente: Campaign)

Fue así que lanzaron un anuncio protagonizado por jóvenes portando playeras, cuyos diseños tenían cuerpos de bebés estratégicamente colocados para que las cabezas de los modelos se acomodaran al mismo y así el público enlazara fácilmente a los bebés con la marca y su mensaje.

Para fortalecer la estrategia, contrataron a la grande del tenis Maria Sharapova, como imagen de la campaña, misma que lució la playera en posters y eventos promocionales. El video del anuncio, obtuvo más de 3 millones de vistas y las playeras estuvieron a la venta en la tienda online de Evian, aumentando la visibilidad de la campaña y generando ganancias extras.

Como puedes ver las playeras juegan un rol sumamente importante en las campañas publicitarias, llegando a ser incluso un factor decisivo para que un proyecto consiga el éxito o no. Justo como pasó con la campaña FCUK de French Connection, que los salvó de la bancarrota o Frankie Say Relax, que le dio una segunda oportunidad a un single y lo convirtió en un hit después de haber pasado desapercibido.

Todo esto nos deja claro, que lo único que necesitas para poder utilizar una playera como estrategia en campañas publicitarias, es generar una buena idea y comenzarla a producir. Así que, si tú estás interesado en poner en marcha alguna de tus ideas, no olvides que puedes hacerlo con nosotros y sin realizar ninguna inversión inicial más que tu creatividad. ¿Te gustaría comenzar a personalizar tus ideas? ¡Hazlo aquí!

Inspirado en:

http://blog.customink.com/2013/04/customink-100-most-iconic-t-shirts-of-all-time/

http://www.todayifoundout.com/index.php/2015/08/french-connection-uk-importance-branding/

http://www.slate.com/articles/business/the_pivot/2012/10/where_s_the_beef_how_wendy_s_1980s_turnaround_changed_the_fast_food_business_.html

http://www.baerpm.com/blog/flashback-friday-wheres-the-beef/

http://digitalmarketingmentor.co.uk/frankie-says-relax/

http://mentalfloss.com/article/66843/13-rocking-facts-about-hard-rock-cafe

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